SOFT galleri //
Norske tekstilkunstnere

Rådhusgaten 20
0151 Oslo

tlf: +47 22 33 59 82

E-postadresser:

formidling[att]softgalleri.no

Åpningstider:
Tirsdag-fredag: 12-17
Lørdag-søndag: 12-16
Mandager stengt

Galleriet er stengt i jule- og påskeferie, samt hele juli måned hvert år.
Følg oss på Facebook

Utstillinger



Liv Zachrisson

26. november 2015 - 3. januar 2016


Silja Puranen

15. oktober - 15. november 2015

http://www.elisanet.fi/silja.puranen/


Kristin Wexelsen Goksøyr

10. september - 11. oktober 2015

www.kristinwexelsengoksoyr.no


Camilla Steinum

6. august - 6. september 2015

http://www.camillasteinum.com/


Ane Vik Eines

11. juni - 2. august 2015

http://www.anevikeines.no/


Aud Bækkelund

7. mai - 7. juni 2015


Janne Nes

19. mars - 26. april 2015

http://www.jannenes.no/


Eli Eines

12. februar - 15. mars 2015


Sarah Vajira Lindström

8. januar - 8. februar 2015

www.sarahlindstrom.com

Sarah Vajira Lindström


Hilde Hauan Johnsen og Maia Urstad

27. november - 31. desember 2014


Ingrid Aarset

16. oktober - 16. november 2014

http://www.ingridaarset.no/

Skilpadde over Oslo.Detalj. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristine Fornes
SUB PROSPEKT

12.september - 12.oktober 2014

Velkommen til åpning FREDAG 12. september kl. 18. Vi holder åpent til kl. 22 som en del av Oslo kulturnatt.

Utstillingen åpnes av tekstilkunstner Kristin Lindberg.

Vi har gleden av å presentere en utstilling med nye arbeider av Kristine Fornes. Fornes er kjent for sine håndbroderier med motiver fra gårder og kulturlandskap som er i ferd med å forsvinne, eller karikerte mennesker og andre skapninger, ofte brodert på avlagte brukstekstiler.

I utstillingen SUB PROSPEKT har Kristine Fornes tatt utgangspunkt i Oslo og historier og sagn om byen. I broderiene kombinerer hun tapte og nåværende bylandskap fra Oslo med kjente motiver fra tidligere århundrers prospektkunst. Prospektkunsten viste gjerne et forskjønnet bilde av natur, landskap og kultur, og kunstneren stiller spørsmålet “hva ligger under, bakenfor og tilsiden for det forherligede ytre?”

Uttrykksmessig veksler broderiene mellom det sirlige og figurative, til skisseaktige, nesten oppløste tegninger der tråden så vidt er festet i underlaget. Kristine Fornes viser oss spennvidden og mulighetene i det håndverket hun behersker så godt.

Byen Oslo gjemmer på mange historier som de fleste av oss verken kjenner til eller tenker over - som for eksempel gullsøylene under Gamle Aker kirke, mordet på Tivoli Teater og djevelen fra Oslo, for å nevne noen.

Kristine Fornes (1971) bor og arbeider i Oslo. Hun har sin utdannelse fra Kunsthøgskolene i Bergen og Oslo, samt Universitetet i Tromsø. Fornes har hatt separatutstillinger på bla. Østfold kunstnersenter, Finnskogutstillingen, Lørenskog kunstforening og Galleri Format i Bergen. Hun har deltatt på en rekke kollektivutstillinger som Høstutstillingen, Årsutstillingen for norsk kunsthåndverk, Østlandsutstillingen, Vestlandsutstillingen og Vevringutstillingen. Hennes kunst er innkjøpt til kunstindustrimuseene i Oslo og Bergen, Høgskolen i Telemark og Pilotgalleriene i Buskerud og Akershus.

Utstillingen er støttet av Kulturrådet.

http://www.kristinefornes.no/

Kristine Fornes

Gruven.(150 x 70 cm)  Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristine Fornes

Skilpadde over Oslo. (100 x 150 cm) Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristine Fornes

Djevelen fra Oslo. (135 x 59 cm) Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristine Fornes

Via Sacra.Detalj. (130 x 130 cm)

Kristine Fornes

Eskapist. Detalj. (120 x 210 cm) Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristine Fornes

Musenes sorti. (145 x 82 cm)

Bente Sommerfeldt-Colberg. I beredskap. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Bente Sommerfeldt-Colberg
I beredskap

7. august - 7. september 2014

Utstillingen åpnes av Lise Bjørne Linnert, billedkunstner og nestleder i NTK.

Vi har gleden av å presentere helt nye verk av Bente Sommerfeldt-Colberg.
De utstilte arbeidene speiler to bruksgjenstander som vi kjenner fra dagliglivet, men som her får endrede størrelser og funksjoner. Det åpner opp for et skråblikk på virkeligheten.

Bente Sommerfeldt-Colbergs arbeider kjennetegnes ved å være assosiative. De referer til ritualer og dveler ved handlingene de utfører.  Arbeidene appellerer til gjenkjennelse men åpner samtidig for nye sammenhenger og mangfoldige fortellinger. Det er motsetningsfylte verk som og kan gi en følelse av uro og ambivalens. De er poetiske, vakre og også humoristiske.

I utstillingen møter vi en mekanisk installasjon med tittel I beredskap. Publikums bevegelse og nærvær gir liv til arbeidet der to store paraplyer åpner og lukker seg med pustende bevegelser. Der den ene paraplyen åpner seg som en skjerm eller som kronbladene på en blomst, blir den motsatte spiss som et spyd.

Utstillingens andre arbeid har tittelen Nål og er nettopp det.  Men når nålen er så kraftig forstørret som den er her -  større enn et menneske, refererer den ikke bare til et nytteredskap. Den blir et spisst og truende våpen.

Bente Sommerfeldt-Colberg (født 1966) bor og arbeider i Lier. Hun har sin utdannelse fra Vestlandske kunstakademi 1991-95. Hun har en svært høy utstillingsaktivitet, og har nå parallelt utstilling i Sogn og Fjordane Kunstmuseum. De siste årene har hun vist separatutstillinger i Kunstnerforbundet, Kongsberg Kunstforening og Østfold Kunstnersenter for å nevne noen. Hun har deltatt på mange kollektivutstillinger i inn- og utland, blant annet 7 ganger på Høstutstillingen. Hennes kunst er innkjøpt av Hå Kommune, Sørlandets Kunstmuseum, Norsk kulturråd og Braathens SAFE, og hun har laget utsmykkinger til Universitetet i Tromsø og flere skoler.

Se: www.bentesommerfeldt-colberg.no

Bente Sommerfeldt-Colberg

Bente Sommerfeldt-Colberg. I beredskap.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Bente Sommerfeldt-Colberg

Bente Sommerfeldt-Colberg. Nål.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Bente Sommerfeldt-Colberg

Bente Sommerfeldt-Colberg. I beredskap.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Bente Sommerfeldt-Colberg

Bente Sommerfeldt-Colberg. I beredskap.
Foto: Øystein Thorvaldsen.


Anna J. van Stuijvenberg
back and forth

12. juni - 31. juli 2014

Utstillingen åpnes av Arild Hartmann Eriksen, direktør for Nordisk kunstnarsenter Dale.

Vi har gleden av å vise en stedsspesifikk installasjon laget for SOFT galleri av den nederlandske kunstneren Anna J. van Stuijvenberg.

Anna J. van Stuijvenberg lager sine skulpturelle installasjoner ved å skjære ut former i industrifremstilt filt og montere dem lag på lag i rommet. Motivene er minner av steder hun har vært, gjerne landskap der menneske,  natur og historie møtes. Dette møtet undersøkes videre når minnet om en naturopplevelse gjenskapes, i filt fremstilt av mennesker, som igjen inntar gallerirommet i urbane omgivelser.

Utgangspunktet for utstillingen på SOFT er kunstnerens møte med det norske bjørketreet som hun ble oppmerksom på da hun var på Artist-in-Residence- opphold ved Nordisk kunstnarsenter i Dale i 2012. Hun har utforsket minnet av dettet møtet, og har siden reist flere ganger til Norge for å fotografere bjørketrær som forprosjekt for installasjonen. Som tittelen på utstillingen tilsier har hun jobbet med forside og bakside, men også årstidene høst og vår. Det hele som en helhetlig installasjon utskåret i nålefilt i fargenyanser av grått, gult og hvitt, som overtar og forandrer utstillingsrommet.

Anna J. van Stuijvenberg (1961) bor og arbeider i Den Haag i Nederland. Hun har sin utdannelse innen skulptur og installasjon fra Willem de Kooning Academy, Rotterdam. Hun har hatt separatutstillinger i Nederland, Tyskland og USA og stilt ut på en rekke gruppe- og kollektivutstillinger i Nederland og ellers i Europa. Hun har også levert flere offentlige og private utsmykkinger.

Vi stenger galleridøren i hele juli. Utstillingen er utformet slik at den kan fullt ut kan oppleves fra gaten via vårt store vindu i hele perioden.

http://www.annajvanstuijvenberg.nl

Anna J. van Stuijvenberg

Anna J. van Stuijvenberg. back and forth.

Anna J. van Stuijvenberg

Anna J. van Stuijvenberg. back and forth.detalj

Anna J. van Stuijvenberg

Anna J. van Stuijvenberg. back and forth.detalj

Anna J. van Stuijvenberg

Anna J. van Stuijvenberg. back and forth.

Brita Been. SKYBRAGD. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Brita Been
SKYBRAGD

30. april - 1. juni 2014

Brita Been
SKYBRAGD

Velkommen til åpning onsdag 30. april kl 18 - 20
Utstillingen åpnes av frilansjournalist og kritiker Lars Elton.

Vi har gleden av å presentere en separatutstilling av Brita Been som består av tre store billedtepper i serien SKYBRAGD. Billedteppene er fargesterke og har et tydelig og røft formspråk. Struktur, konstruksjon og tyngde gir dem skulpturelle kvaliteter og en sterk tilstedeværelse i rommet. Been vever teppene på sin 2,5 m brede oppstadvev og farger garnet selv, slik at resultatet blir et kontrollert kunstnerisk uttrykk samtidig som det er solid håndverksmessig utført.

Been arbeidet med idègrunnlaget til teppene etter en reise til Kina i 2002, hvor hvor hun ble fascinert av relieffer hugget i marmor med ulike variasjoner av skymotiv. For noen år siden tok hun tak i dette billedmaterialet og knyttet det i etterkant opp mot det gamle tradisjonelle mønsteret skybragd, som hun i studietiden hadde sett eksempler på i Nasjonalmuseet for kunst, design og arkitektur i Oslo. Hun fant videre flere kilder som beskriver mønsterets vandring fra orienten til Skandinavia, blandt andre boken Norsk Billedvev av Aase Bay Sjøvold hvor det heter: ”Skybragd kalles dette mønsteret som er en variasjon blant palmettmotiver fra renessansens silkestoff. Vi finner det i flere flamskvevde putevar…” En annen kilde, Agnes Geijer skriver i sin bok ”Ur textilkonstens historia”  at disse “granateple / palmettmotivene har sin opprinnelse fra en lotusblomst i profil, som vi eksempelvis ser den på kinesiske silkestoffer.”

Been har med sitt prosjekt SKYBRAGD gjenskapt denne historien. Kinesiske mønstre er omarbeidet til et nytt uttrykk utført i norsk billedvevteknikk. Hun har også videreført tråder i sin egen historie ved å ta opp inspirasjon fra studietiden og knytte det sammen med nyere impulser og interessefelt.

Brita Been (f. 1947) bor og arbeider i Porsgrunn. Been er utdannet ved Universitetet i Oslo,  Statens lærerhøgskole i forming og Bergen Kunsthåndverksskole. Hun har siden 1983 vevet sine store tepper i billedvevteknikk. Been har hatt mange separatutstillinger i Norge, sist i Larvik Kunstforening, 2012 og i Rauland Kunstforening, 2013. Been er bl.a. representert i samlingene til Nordenfjeldske kunstindustrimuseum,  Nasjonalmuseet for kunst, design og arkitektur og Vestfold fylkeskommune. Hun har stått for kunstprosjekter i offentlige rom, bl.a.  Kirkeparken vgs. i Moss, 2011. Been har deltatt på en lang rekke gruppeutstillinger i inn- og utland.Kunstnerens hjemmeside:  http://www.britabeen.no

Det følger en katalog med utstillingen med forord av Lars Elton.

Utstillingen er støttet av Norsk kulturråd og Billedkunstnernes Hjelpefond.

Utstillingsperiode: 30. april - 1. juni 2014.

www.britabeen.no

Brita Been

SKYBRAGD. Brita Been. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Brita Been

SKYBRAGD. Brita Been. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Brita Been

SKY. Brita Been. Foto: Stina Glømme.

Brita Been

SKYBRAGD rød. Brita Been. Foto: Stina Glømme.

Brita Been

SKYBRAGD jade. Brita Been. Foto: Stina Glømme.

Conversation With Anni Albers. Kiyoshi Yamamoto. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kiyoshi Yamamoto
Conversation with Anni Albers

20. mars - 27. april 2014

Velkommen til åpning torsdag 20. mars kl 18 - 20.

Utstillingen åpnes av billedkunstner Josefine Lyche.

Vi har gleden av å presentere en separatutstilling av Kiyoshi Yamamoto.
Yamamoto har i mange år vært svært inspirert og influert av kunstneren og tekstildesigneren Anni Albers, av hennes tanker og ideer, av hennes kunst, og av hennes liv og posisjon i kunsthistorien. Anni Albers (gift med Josef Albers) er regnet som en betydningsfull kunstner og designer, og som en viktig del av oppbyggingen av Bauhausskolen. Albers tok i bruk tekstilindustrien og kunne produsere store og flere verk ut fra samme visuelle og taktile formspråk. Dette har influert Kiyoshi Yamamotos måte å arbeide på, og han ser ingen motsetning i at noe industrielt også kan være unika og ren kunst.  Han har samarbeidet med flere norske tekstilfabrikker og fått produsert vevde tekstiler med deres maskiner til utstillingen på SOFT galleri.

Anni Albers som kvinne var en minoritet i modernismen, Kiyoshi Yamamoto føler et sterkt slektskap til dette. Han er selv en mann i tekstilkunstfaget som er dominert av kvinner, og som homofil er han en minoritet i samfunnet forøvrig. Det er Anni Albers refleksjoner rundt sin egen kunst og måten hun arbeidet på som har vært utgangspunktet for denne utstillingen.

Sammen med de industrielt produserte tekstilene vil Yamamoto vise en ombygget vevstol som får funksjon som et sittemøbel eller amfi, denne vil tas ibruk under flere performance-foredrag i løpet av utstillingsperioden. Utstillingen inneholder også et originalt trykk av Anni Albers, slik at hun helt fysisk er med i utstillingen titulert med hennes navn. Til utstillingen har kunstneren produsert en fanzine med samme tittel som utstillingen.

Kiyoshi Yamamoto vil holde 4 performance-foredrag i løpet av sin utstillingsperiode:
lørdag 5. og søndag 6. april kl. 14 og lørdag 26. og søndag 27. april kl. 14.
Du kan melde deg på, send en mail til: .(JavaScript must be enabled to view this email address).
Det er begrensete plasser, “førstemann til mølla.” Velkommen!

Kiyoshi Yamamoto er født i 1983 i Japan men vokste opp i Brasil. Han bor og jobber i Bergen. Han har Mastergrad i kunst fra Kunsthøgskolen i Bergen i 2013. Kiyoshi Yamamoto har allerede stilt ut flere steder internasjonalt; Forårsudstillingen 2013 på Charlottenborg kunsthall, almma LAB i Jerusalem, og Wireless på Vestfold, Buskerud og Østfold Kunstnersenter for å nevne noen. Til våren er Yamamoto invitert til å være årets Vossa Jazz- kunstner og han skal til Paris på Dimanche Rouge: FOCUS ON NORWAY - en utstilling med performancekunstnere fra Norge. Utstillingen på SOFT galleri blir hans første separatutstilling i Norge.

Utstillingen er støttet av Bergen kommune, Norsk kulturråd, Innvik Sellgren og Krivi Veveri.

www.kiyoshiyamamoto.com

www.thestitchproject.org

www.bergenreaktivebevegelse.no

 

Kiyoshi Yamamoto

Conversation With Anni Albers. Kiyoshi Yamamoto. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kiyoshi Yamamoto

Conversation With Anni Albers. Kiyoshi Yamamoto. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kiyoshi Yamamoto

Conversation With Anni Albers. Kiyoshi Yamamoto. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kiyoshi Yamamoto

Conversation With Anni Albers. Kiyoshi Yamamoto. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kiyoshi Yamamoto

Conversation With Anni Albers. Kiyoshi Yamamoto. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristina Skantze
Akt I

13. februar - 16. mars 2014

Utstillingen åpnes av tekstilkunstner Kari Steihaug.

Vi har gleden av å presentere en ung, svensk kunstner her på SOFT galleri.
I utstillingen Akt I viser Kristina Skantze sydde, figurative tekstilskulpturer som hun har arbeidet med i de siste to årene, vist i en scenografi laget for nettopp dette gallerirommet.

Figurene som opptrer i utstillingen tilhører et skuespillerensemble som kan opptre i ulike sammenhenger og konstellasjoner. Hver og en skulptur har en personlighet som langsomt har vokst frem gjennom kunstnerens nitidige og tålmodige prosess, sydd sting for sting. Stingene spenner som arr over stoffhuden, som sydde redsler og drømmer som bygger opp figurene og deres karakterer. Skuespillerne har androgyne trekk og er aldersløse, dermed kan kunstneren bruke dem i ulike stykker og la dem opptre fritt fra gang til gang.

Kunstneren har alltid sømarbeidet sitt med seg. Dette arbeidet er en måte for henne å være tilstede på, å bevare samtaler, møter, tanker og fantasi på. Med lag på lag av stoff, hardt pakket vatt og uendelige små og store sting undersøker hun kropper og uttrykk. Gjennom en leken prosess levendegjør hun fortellinger som er i forandring, hun undersøker følelsesmessige aspekter og indre motsetningsforhold, og gestalter erfaringer hentet fra hverdagslige situasjoner.

Kristina Skantze (født 1984) bor og arbeider i Stockholm, og dette er første gang hennes kunst vises i Norge. Hun har sin utdannelse fra Høgskolen for Design og Kunsthåndverk i Gøteborg fra 2012. Hun har deltatt på en rekke utstillinger og er medarrangør for prosjektet “Vi och ni som undrar varför” med utstillinger i Sverige og Japan.

Utstillingen er støttet av svenska Konstnärsnämnden (iaspis).

www.kristinaskantze.se

Kristina Skantze

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristina Skantze

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristina Skantze

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristina Skantze

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristina Skantze

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

Kristina Skantze

Akt I. Kristina Skantze. foto: Øystein Thorvaldsen.

John K. Raustein. Husflidfellen og andre feller. Foto Øystein Thorvaldsen

John K. Raustein
Hemmeligheter uten sammenheng

9. januar - 9. februar 2014

Utstillingen åpnes av kunstviter Janne Leithe.

Vi har gleden av å starte kunståret 2014 med å vise helt nye arbeider av John K. Raustein.
Raustein er en markant og svært aktiv tekstilkunstner og vi er stolte av å endelig få vise han her på SOFT galleri. Utstillingen Hemmeligheter uten sammenheng består av flere verk i varierende formater og kan leses som en helhetlig romlig installasjon.

John K. Raustein har i de siste årene arbeidet med unnselige, hverdagslige materialer, som for eksempel bomullslerret, som han har skapt monumentale tekstile installasjoner og skulpturer av. Han har vært opptatt av å utnytte materialenes iboende egenskaper, som fall, stivhet og tyngde, og nærmest presset dem lenger enn de tåler, mot grensen til kollaps.

Raustein boltrer seg i tekstile teknikker og virkemidler som rysjer, frynser, søm, broderi, drapperi, og bretting. Han overdriver og forstørrer slik at helt nye former, rom og historier oppstår. John K. Rausteins arbeider formidler taktile minner vi har med oss;  hvordan det var å dra et par barnefingre langs en frynsete lampeskjerm, blondene på en duk, pelskragen på en kåpe eller rysjene på en gardinkappe. Han stiller spørsmål ved hva som er stygt og hva som er vakkert, hva som er forførende og hva som er frastøtende.

I utstillingen Hemmeligheter uten sammenheng er også farge et sentralt element. Fargene fra metervarestoffer på rull er brukt som kunsterisk virkemiddel, som sammen med de tekstile uttrykkene skaper en rekke assosiasjoner både til det hjemlige og trivielle, og med referanser til kunstnere som for eksempel Robert Rauschenberg, Anna Eva Bergmann og Josep Garu-Garriga. Verkene i utstillingen har også assosiasjonsskapende titler som Under trappen, under bordet, bak sofaen, og Det vi ikke prater om, det vi ikke fikk sagt, det vi ikke fikk gjort, og Husflidfellen og andre feller. 

John K. Raustein er født i 1972 i Stavanger, og bor og arbeider i Oslo. Han har hovedfag fra Kunsthøgskolen i Bergen, avdeling for tekstil, fra 2000.
Han har stilt ut separat på blant andre RAM galleri, galleri Format, Hå gamle Prestgard, House of Foundation, og var sist å se på Akershus kunstsenter. Raustein har deltatt på svært mange kollektivutstillinger i inn- og utland; Forårsudstillingen i København, Høstutstillingen i Oslo, Wireless, Connecting, Slump - luck by chance, og Tendenser for å nevne noen få. Hans kunst er innkjøpt til de tre norske kunstindustrimuseene og Gascco kunstsamling, og han har laget utsmykkinger til Gosen skole og Royal Caribbeans skip Mariner Of The Seas.

En del av hans tidligere arbeider kan frem til 1. juni ses på utstillingen Tusen tråder - en historiefortelling i tekstil på Lillehammer Kunstmuseum.

www.johnkraustein.com

John K. Raustein

John K. Raustein. Under trappen, under bordet, bak sofaen. Foto: Øystein Thorvaldsen.

John K. Raustein

John K. Raustein. Det vi ikke prater om, det vi ikke fikk sagt, det vi ikke fikk gjort. Foto Øystein Thorvaldsen.

John K. Raustein

John K. Raustein. Foto Øystein Thorvaldsen.

John K. Raustein

John K. Raustein. Ukjent opphav. Foto Øystein Thorvaldsen.

John K. Raustein

John K. Raustein. Foto Øystein Thorvaldsen.

John K. Raustein

John K. Raustein. Tulipansesongen blir bare lengre og lengre. Foto Øystein Thorvaldsen.

Marit Helen Akslen. SALE. Foto: Øystein Thorvaldsen

Marit Helen Akslen
SALE

28. november 2013 til 1. januar 2014

Galleriet holder åpent til og med 20. desember. I resten av desember vil utstillingen være tilgjengelig fra gaten via galleriets store vindu.

Utstillingen åpnes av billedkunstner og skribent Anne Karin Jortveit.

Vi har gleden av å presentere en utstilling med helt nye arbeider av Marit Helen Akslen.  Arbeidene i utstillingen SALE kan ses som kritiske kommentarer til klesindustrien og de menneskelige kostnadene som ligger bak alle de billige klærne som stadig er på salg i butikkene.

Marit Helen Akslens kjennetegn er bruk av klesplagg eller deler av disse, som for eksempel skjortesnipper og mansjetter, som hun vever eller knepper sammen til monumentale tekstiler, objekter og skulpturer. De er estetisk vakre og oppfinnsomt utført -  eksempelvis bukseseler og krager brukt som ornamenter i gjentakende intrikate mønstringer - men alltid med en undertekst av et sterkt samfunnsengasjement. Som i verket i vinduet SALE som er finurlig satt sammen av kleshengere, klarer Akslen å foredle sitt engasjement til visuelt sterke kunstverk.

Hovedverket i utstillingen har tittelen Behind the scenes, og er en stor tekstil bygget opp av svarte bukser som kunstneren har kjøpt på salg. Hun har ønsket å gi de billige klærne en opphøyet verdi ved å veve med dem, gjøre dem om til kunst, og dermed hedre de som har laget dem. Mens hun jobbet med prosjektet skjedde den forferdelige ulykken på Rana Plaza i Bangladesh i april 2013, der flere etasjer med sømavdelinger til klesindustrien raste sammen og hele 1127 mennesker mistet livet.  På de fleste av buksene som Marit Helen Akslen jobber med står det Made in Bangladesh på vaskelappen - kan de være laget av noen som ble skadet eller mistet livet i tragedien? 

I opptakten til julestria, der de fleste av oss stresser rundt for å kjøpe gaver til våre kjære som allerede har alt og ikke trenger mer, gir Marit Helen Akslen oss en utstilling som kan få oss til å reflektere over baksiden av denne kjøpefesten.

Marit Helen Akslen (1971) bor og arbeider I Sykkylven. Hun har hovedfag fra Kunsthøgskolen i Bergen i 2000. Hun har vært en svært aktiv utstiller og har hatt separatutstillinger på  Sogn og Fjordane Kunstmuseum, Østfold Kunstnersenter, Kunstnerforbundet og Haugesund Billedgalleri for å nevne noen. Marit Helen Akslen har vært med i en rekke kollektivutstillinger i inn-og utland, bla.  Høstutstillingen 4 ganger, “Changing Fibres, on the Edge” på Tekstilmuseet i Borås, Sverige og ”Nordic Models - Common Ground,” Scandinavian House i New York. Hennes kunst er innkjøpt til bla. Utenriksdepartementet, Trondheim Kommune, Rådhuset, St. Olav Hospital, Kvinne- og barnsenteret, Trondheim, Norsk kulturråd og Innkjøpsfondet for Norsk samtidskunsthåndverk.

For mer info se: www.akslen.net

Marit Helen Akslen

Marit Helen Akslen. Behind the Scenes og no. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Marit Helen Akslen

Marit Helen Akslen. Detalj. Behind the scenes. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Marit Helen Akslen

Marit Helen Akslen. uten tittel. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Marit Helen Akslen

Marit Helen Akslen. Detalj. uten tittel. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Marit Helen Akslen

Marit Helen Akslen. Do not bleach. Foto: Øystein Thorvaldsen

Marit Helen Akslen

Marit Helen Akslen. Behind the scenes. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen. within white. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen
within white

24. oktober til 24. november 2013

Utstillingen åpnes av billedkunstner og skribent Astrid Andreassen.

Til utstillingen within white har Anne Knutsen konstruert en stor tekstil spesielt for SOFT galleris utstillingsrom. Hun inviterer oss inn til en sanselig opplevelse der vi kan la oss bevege av fargen, lyset og taktiliteten i det vi ser.

Anne Knutsen arbeider med aspekter av romlighet, både de rom som dannes i materien når tekstilene bygges tråd for tråd i veven, rommene som dannes for betrakteren når lyset møter overflaten, og flaters utstrekning og plassering i fysiske rom. Tekstilenes størrelser opphever objektkarakteren, og lar blikket dvele ved forskyvinger hånden etterlater seg i de monokromt vevde flatene.

within white er vevd med en hvit forside og en fargesterk bakside. Lyset skimrer i den hvite siden av tekstilen, mens den fargede siden reflekteres mot bakveggen og fyller mellomrommet med farge. Tekstilen er bygget av vertikale lengder som er montert enkeltvis slik at fargen slipper frem.

Tekstilens to sider- forside og bakside, rette og vrange, er tilsynelatende motsetninger, men begge sider er samme flate, - den ene eksisterer ikke uten den andre. I within white er begge disse sidene aktivert.

Tråd, sammenbinding og repetisjon er bestanddelene i en vevd flate. Gjennom å utfordre disse virkemidlene leter Knutsen etter visuelle fenomener og virkninger som overskrider den materielle virkeligheten.

Anne Knutsen (1956) bor og arbeider i Ski og Oppegård i Akershus.
Hun har sin utdannelse fra Statens håndverks- og kunstindustriskole, nå KhiO, der hun også er ansatt som førsteamanuesis på tekstilavdelingen.

Anne Knutsen har stilt ut separat på RAM galleri og Kunstnerforbundet, og hun har deltatt på en rekke kollektivutstillinger bla. Tendenser, Høstutstillingen, og NKs årsutstillinger.

Hun har laget flere utsmykkinger og vært konsulent for flere store, offentlige utsmykkinger som for eksempel Operahuset i Oslo, Rogaland teater og Nationaltheateret stasjon. Hennes kunst er innkjøpt til Nordenfjeldske kunstindustrimuseum, Norsk kulturråd og Statens konstråd i Sverige.

Utstillingen er støttet av Norsk kulturråd.

http://anneknutsen.no

Anne Knutsen

Anne Knutsen. within white.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen

Anne Knutsen. within white.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen

Anne Knutsen. within white.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen

Anne Knutsen. within white.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen

Anne Knutsen. within white.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Knutsen

Anne Knutsen. within white.
Foto: Øystein Thorvaldsen.


Karina Nøkleby Presttun
Tomas og huset på Ask

13. september til 13. oktober 2013

Utstillingen blir åpnet av Gudrun Eidsvik, daglig leder for RAM galleri.

I denne utstillingen viser Karina Nøkleby Presttun arbeider som portretterer forfatteren Tomas Espedal i brudekjole. Hovedarbeidet er et monumentalt tekstilt arbeid i størrelse 270 x 170 cm.

Karina Nøkleby Presttun skriver dette om prosessen og samarbeidet med forfatteren:

2004
Våren 2004 stod jeg, sammen med de andre som gikk på Skrivekunstakademiet det året, i skrivestuen til Tomas Espedal. Vi tilbrakte en dag sammen med ham, og i notatene mine står det blandt annet: “Tomas Espedal var på besøk i dag og han var fantastisk. Fordi han sa alt det som alle andre har sagt at vi ikke skal gjøre; leve forfattermytene, røyke, drikke, skrive manisk, være forfatter av hele sitt hjerte - drite i alt.”

Jeg følte da at det ikke hadde noe med meg å gjøre, jeg var fornøyd med å være i arbeid og tjene penger, men det var fint å høre det fra noen. Noen som virkelig mente det. Det jeg ikke noterte meg denne dagen, sannsynligvis fordi jeg ikke skjønte det før seinere, er at dette var dagen jeg forstod at jeg ikke skulle bli forfatter. Jeg har bare en fornemmelse av å gå over Dreggsallmenningen etter å ha vært hos Tomas med en frihetsfølelse. Det skjer noe når man møter noen som er så engasjert i arbeidet sitt.

2009
I 2009 gikk jeg ut fra Kunsthøyskolen i Bergen etter endt bachelor. Jeg fikk atelier i Fabrikkgaten sammen med tre andre og sydde kjoler åtte timer for dagen. Det var veldige temperatursvingninger, alltid for varmt eller for kaldt, men det var fantastisk lys hele dagen. Micaela laget middag til tre for tjue kroner, jeg la ut for husleien.

Det ble vinter. Kjolene genererte ingen penger og jeg gikk i minus. Og jeg husker ikke nøyaktig når det skjedde, men på et tidspunkt den vinteren forstod jeg at det Tomas hadde snakket om den dagen i 2004, de engasjerte monologene og språk og skrivearbeid, “drit i økonomi” og “aldri få deg en jobb” angikk meg. Bare ikke som forfatter.

2010
I 2010 begynte jeg på en serie av portretter av menn i kvinneklær. Flere kompiser stilte entusiastisk opp, men jeg ønsket meg også noen litt eldre. Pappa sa at han kunne være med hvis han måtte.

I februar gikk jeg på studentsenteret på Nygårdshøyden for å høre på hva Tomas hadde å si om sin nyeste bok “Imot kunsten”. Han snakket om hvordan han i boken prøver å bli en bedre mor for sine barn ved å bli mer som sin egen mor, blant annet ved å kle seg i sin mors nattkjole. Det kunne nesten ikke ha passet bedre.

I utgangspunktet kan det bli pinlig å gå til en fyr du egentlig ikke kjenner så godt å spørre om han kan tenke seg å stille opp i kjole til et prosjekt du holder på med. Det var ikke noe problem med Tomas. Jeg fikk telefonnummeret hans, og et lunsjmøte noen måneder seinere. Der fikk jeg vist ham en skisse av Jørund med ubarberte legger og lilla paljettkjole. Tomas minnet meg på at det var viktig å ikke få seg en jobb, men å holde på med dette.

2012
Våren 2012 så jeg slutten på serien med kompisgjengen, og begynte å leite etter brudekjole til Tomas. Det viste seg mer komplisert og dyrere enn jeg trodde, og jeg fryktet et øyeblikk jeg måtte gå til det steget og å ta med Tomas til en brudesalong for å finne en som passet. Heldigvis kom Micaela inn som en reddende engel og gikk med på å sy ham en brudekjole på mål. 

Bildene er tatt på Ask på høsten 2012, utenfor huset Tomas bodde i før han flyttet til Øyjordsveien. Med oss var Mona og hennes spanske gatehund Arti.

Mens vi stod inne i huset og gjorde oss klar fikk jeg beskjed av Tomas, allerede iført den kremhvite satengkjolen: “Karina, bare sånn at du vet det: jeg løper inn hvis naboene kommer.”

Karina Nøkleby Presttun (1981) bor og arbeider i Bergen.
Hun jobber med en applikasjonsteknikk basert på fotografi. Fotografiet fargereduseres og gjøres om til kurver før hver farge blir tilegnet en eller flere tekstiler. Tekstilbitene i de forskjellige fargene skjæres ut med laserkutter og pusles sammen til en storformat tekstilcollage. Arbeidet er tidkrevende og tar fire til seks måneder.

Hun har sin utdannelse fra Kunsthøgskolen i Bergen, BA i tekstil, og fra Skrivekunstakademiet i Hordaland.

Karina Nøkleby Presttun har gjort seg svært bemerket på kunstscenen, og var nylig med på utstillingen “Tendenser” på Galleri F15. Hennes kunst er kjøpt inn av Nasjonalmuseet og Nordenfjeldske kunstindustrimuseum.

www.karinapresttun.no

Se avisomtaler:
http://www.dagsavisen.no/kultur/espedal-som-hvit-brud/

http://www.bt.no/bergenpuls/Espedals-hamskifte-2966673.html#.UjLF6LU4XIU

Karina Presttun

Fotograf: Øystein Thorvaldsen

Karina Presttun

Karina Nøkleby Presttun. Tomas og huset på Ask.
Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Karina Presttun

Karina Nøkleby Presttun. Tomas og huset på Ask. Detalj.
Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Karina Presttun

Karina Nøkleby Presttun. Tomas og huset på Ask. Detalj.
Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Karina Presttun

Karina Nøkleby Presttun. Tomas og huset på Ask. Detalj.
Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Karina Presttun

Karina Nøkleby Presttun. Med ryggen til.
Fotograf: Øystein Thorvaldsen.


Anne Karin Jortveit
locus communis

8. august til 8. september 2013

Locus communis er en tekstilbasert installasjon bygget opp hovedsakelig av ull i ulike faser av prosessen fram til tråd og tekstil - fra ukardet, plantefarget, til kardet, spunnet og heklet. Vinduet mot gaten er fylt av lag av ukardet ull. Publikum kan ta med seg håndfuller av ulla og samtidig bidra til at ”tekstilbildet” gradvis endrer seg gjennom utstillingsperioden. Et spunnet stoffelement bidrar som en motsats og en forsterkning av rommets øvrige objekter.

Anne Karin Jortveit utforsker tekstilmediet via koblinger mellom tekstil som kunst og som bruk og funksjon - i spennet mellom blant annet estetikk, tradisjon, forbruk og arbeid. Grenseganger mellom konkret kunnskap og symbolsk relevans er også viktig for henne. Hun er opptatt av manuelle prosesser, og har i det siste beskjeftiget seg med håndspinning.

I locus communis undersøkes betydningen av fiber og tråd som utgangspunkt for personlig arbeid og med samfunnsrelaterte forgreininger. I dag har ull og håndspinning fått et oppsving, blant annet som et resultat av en fornyet interesse for håndverkserfaringer og som et ledd i en bevissthet rundt bærekraftige handlinger. Å bruke animalske fibrer igangsetter dessuten spørsmål om vårt forhold til dyr.

Spinning av tråd favner over et enormt felt, fra det rent metaforiske til det helt nødvendige. Om rokken først og fremst har vært et redskap for hjemmeproduksjon, har tråden spilt en sentral rolle i samfunnet helt siden den industrielle revolusjon i og med at det var innen tekstil de første maskinene ble utviklet. Når man som kunstner arbeider med tekstil og fiber, kan det i dag være vanskelig å stenge ute aspekter ved den globale tekstilindustrien. I locus communis er rødt, hvitt og gult brukt. Denne kombinasjonen ble motivert av et fotografi av demonstrerende tekstilarbeidere. Et stort banner i disse fargene nærmest folder seg rundt kvinnene i frontrekken. Påvirket av gløden og engasjementet som de ukjente kvinnene utstråler, og med viten om at tekstil krysser steder, mennesker og skjebner på
uttallige måter, ble fargene viktige i arbeidsprosessen. Etter hvert ble de vevd inn som en underliggende ”klang” i installasjonen.

Locus communis betyr ”felles sted”. I denne sammenhengen er dette latinske uttrykket ment å fungere som en åpen og flertydig innfallsvinkel til meningskoblingene i prosjektet, både konkret og billedlig sett. (Det engelske ordet ”commonplace”, som gjerne blir brukt om det hverdagslige og allmenne, er en oversettelse av locus communis.)

Anne Karin Jortveit (1964) bor og arbeider i Oslo og er utdannet ved Statens kunstakademi, Universitetet i Oslo og Høgskolen i Oslo og Akershus. I tillegg til eget kunstnerisk virke, arbeider hun som frilansskribent og gjestelærer. Hun har også vært konservator ved Museet for samtidskunst.

Som en del av utstillingsprosjektet vil et knippe arrangementer med temaer knyttet til fiber og spinning gå av stabelen i SOFT galleri, og publikum kan også melde seg på til en gratis introduksjonstime i spinning. Her kan man lære grunnleggende spinneprinsipper i en til en undervisning med Anne Karin Jortveit.  Spinnetimer blir satt opp på tirsdager, torsdager , samt en helg etter 20. august. Ta kontakt med galleriet for påmelding.
Følg med på vår webside og facebookside for tidspunkt og informasjon om arrangementer, dette legges ut fortløpende etter 5. august.

Kunstneren ønsker å takke Kampen Økologiske Barnebondegård for kjempeflott ull og Dyveke Sanne for nydelig kid mohair. En spesiell takk til Pia Maria Wikant for hennes interesse i prosjektet, og for sjenerøse og mangfoldige ullgaver.

Aller mest takk til mohairgeitene Holly, Misty og Vesla fra Asker, sauene Ull, Spøk, Emil og Betzy fra Kampen og Lita, Eselet, Tåta, Ulla og Ullrike fra Hemnes og alle de andre sauene fra Eiketoppen gård ved Drøbak, Bogstad Gård og småbruket Porten ved Hemnes. Å få mulighet til å utforske og forvalte disse dyras fantastiske materiale har vært en øyeåpnende tid.

Utstillingen er støttet av Billedkunstnernes Vederlagsfond.

The spinning wheel rules out exclusiveness. It stands for all, including the poorest. It, therefore, requires us to be humble
and to cast away pride completely. (Mahatma Gandhi)

Anne Karin Jortveit

Anne Karin Jortveit.  Dekke
Foto: Øystein Thorvaldsen..

Anne Karin Jortveit

Anne Karin Jortveit. Dekke.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Karin Jortveit

Anne Karin Jortveit. Stabel.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Karin Jortveit

Anne Karin Jortveit. Hylle.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Karin Jortveit

Anne Karin Jortveit. locus communis.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Anne Karin Jortveit

Resultat fra 9 spinnetimer med Anne Karin Jortveit i SOFT galleri.


Ingrid Toogood
Evening Falls Flat

13. juni til 31. juli 2013

Utstillingen åpnes av kunsthistoriker Kristine Fresvig.

Vi har gleden av å presentere en utstilling av Ingrid Toogood med helt nye verk laget for SOFT galleri.

Utstillingen Evening Falls Flat  består av et monumentalt fotografi i tillegg til et mindre verk, Le Plagiat. Arbeidene problematiserer skjæringspunktet mellom maleriske og fotografiske virkemidler, illusjoner og representasjon av rom.  Som i tidligere arbeider bygger Toogood opp bildene lagvis, både fysisk og psykisk, men flater ut lagene gjennom fotografiet. Hun er opptatt av billedflatens illusjoner og forsøker å skape en trompe´lóeil effekt i bildene. Samtidig er hun opptatt av å uttrykke de psykologiske rommene som finnes mellom lagene, mellomrommene i tilværelsen, det ubeskrivelige og det usagte, det sanne og det løgnaktige.

Kjernen i Toogoods praksis er en refleksjon rundt maleriet som medium og hun bruker her fotografiet som tilnærmingsmåte for å undersøke og utvide begrepet. Hennes maleriske produksjon ligger i skjæringspunktet mellom maleri, fotografi og skulptur, og munner ofte ut i installasjoner hvor det maleriske manifesterer seg på flater og tredimensjonalt i rommet.

I utstillingen Evening Falls Flat fyller et stort fotografi, som henger fra tak til gulv, gallerirommet. Arbeidet er et fotografisk stilleben av materialrester hun omgir seg med i atelieret. Gjennom fotografiet har Toogood undersøkt sin egen maleprosess, og fotografiene blir som en poetisk dokumentasjon av dette. Alt fra forkastede malerier, brukte paletter, avrevne tekstilrester, speil- og pleksibiter eller tre-avkapp fra tidligere kunstproduksjoner, blir brukt til å lage nye komposisjoner på ateliergulvet som hun så avfotograferer. De kasserte materialene fylles lagvis med ny mening ettehvert som de sirkulerer i kunstnerens studio. I det mindre arbeidet Le Plagiat utforsker Toogood vår oppfatning av romlighet og billedforståelse og ser på skyggen som et kunsthistorisk virkemiddel.

Ingrid Toogood (1976) bor og arbeider i Stavanger og er utdannet ved Kunsthøyskolen i Oslo. Hun har hatt en høy utstillingsaktivitet og har blant annet stilt ut på Tromsø kunstforening, Akershus kunstsenter, Hå gamle prestegard, Haugesund billedgalleri, Galleri Gann og Artconnexion i Frankrike. Hun har deltatt på flere gruppeutstilliner og er neste år aktuell med separatutstilling i Kristiansand kunsthall.

I juli holdes galleridøren stengt, og utstillingen vil da fungere som en vindusutstilling som kan oppleves fra gaten.

Utstillingen er støttet av Norsk kulturråd.

Les Kunstforums anmeldelse av utstillingen her: http://www.kunstforum.as/2013/07/pa-tvers-av-sjangere/

Ingrid Toogood

Ingrid Toogood. Evening Falls Flat. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Ingrid Toogood

Ingrid Toogood. Evening Falls Flat og Le Plagiat.

Ingrid Toogood

Ingrid Toogood. Le Plagiat.

Turid Holter. Persefone. detalj

Turid Holter
Minneutstilling

2. mai til 2. juni 2013

Utstillingen åpnes av kunsthistoriker Jorunn Haakestad, forskningsleder ved KODE / Kunstmuseene i Bergen.

Turid Holter (1936-2011) har vært en svært viktig tekstilkunstner i Norge. Vi har valgt å vie henne oppmerksomhet ved å stille ut noen av de mange arbeidene som hun har deltatt med på Høstutstillingen i løpet av sitt kunstnervirke.

Gjennom sitt livsløp bar Turid Holter tekstilkunstens og stofftrykkets historie i det 20. århundret med seg. Hun utdannet seg til stofftrykker på Kunst- og håndverksskolen i Oslo i årene 1955 til 59. Åtte år etter endt utdanning deltok hun på Høstutstillingen med arbeidet “Fragment”. Aldri før var et stofftrykkarbeid blitt vist der. Statens årlige, kunstnerjuryerte utstilling var – og er – selve lakmustesten på kunstnerisk anerkjennelse i Norge. Hele åtte ganger har hun blitt antatt, siste gang i 2011. Hun var også med i den første nasjonale jury for tekstilkunst.

Fra de første arbeidene var Holters stofftrykk med på å bryte barrierer. Hun utvidet grensene for bruk av materialer og teknikker slik at det i dag ikke finnes grenser for hva som kan tjene som blokk eller stempel – hvis dette verktøyet over hodet brukes av dagens tekstilkunstnere. Samtidig som stofftrykket løsrev seg fra den rasjonelle verkstedsproduksjonen med metervare som norm og ideal, ble det åpnet for en nærmest ubegrenset bruk av trykkemetoder. Og etter som stofftrykket skiftet karakter fra et håndverk og funksjonspreg til et kunstnerisk uttrykksmiddel, ble uttrykket overordnet teknikken. En hvilken som helst teknikk, art og metode kan i dag brukes. Men det institusjonelle skillet var etablert allerede i 1967 da et av hennes stofftrykkarbeider ble stilt ut på Høstutstillingen. Et veiskille og en milepæl var satt. Stofftykk var kunst. Turid Holter var selv en drivkraft i transformasjonen.

(Teksten er skrevet av Jorunn Haakestad og hentet fra artikkelen Portrett av tiden, publisert i SOFT magasin.)

Turid Holter er representert i våre tre kunstindustrimuseer og er kjøpt inn av daværende Museet for samtidskunst. Hun har hatt ti separatutstillinger i prestisjegallerier. Den siste separatutstillingen var under planlegging og skulle holdes i Kunstbanken på Hamar i 2012.

Hennes utsmykning av Oslo kommunes administrasjonsbygg i 1974 var banebrytende. Utsmykningen til Riksarkivet nybygg i 1982 er særegent vakkert; figurativt og historisk motivert. Sin siste utsmykning laget hun til Edwin Ruud Hospital, innviet i 2003.

Turid Holter var ansatt som formgiver og stofftrykker på PLUS i Fredrikstad i perioden 1964-1966.

Utstillingen er støttet av Bildene kunstneres hjelpefond BKH.

Turid Holter

Norsk frise. (1990) 118 x 390 cm. Tekstil, laminat.
Foto: Øystein Thorvaldsen

Turid Holter

Andreaskors.(1988) 248 x 248 cm. Tekstil, laminat.
Foto: Øystein Thorvaldsen

Turid Holter

Rondo. (2005) 108 x 162 cm. Stofftrykk, søm.
Foto: Øystein Thorvaldsen

Turid Holter

Persefone. (2010) 145 x 103 cm. Søm, gjenbrukstekstiler, lerret. Tilhører Fredrikstad museum.
Foto: Øystein Thorvaldsen

Turid Holter

Foto: Øystein Thorvaldsen

Turid Holter

Detalj. Norsk frise.
Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik
mellomgulv

21. mars til 28. april 2013

Vi har gleden av å presentere en separatutstilling med nye arbeider av Else Leirvik.

Verkene danner et gjennomsiktig landskap og viser gjenkjennbarhet både i materiale og utforming slik vi tidligere har kunnet sett Leirviks objekter og installasjoner utfolde seg. Imidlertid er enkelheten og det nakne uttrykket kun tilsynelatende, for i Leirviks arbeider gjennomtrenger nerve og sanselighet med dirrende nærvær, og som berører. Her finnes rom i rom – både ide- og tankemessig som rent fysisk. Noe blir holdt og noe folder seg, og henleder slik til paradokset av å berøre og bli berørt på samme tid. Denne noe tildekkede, men like fullt tilstedeværende tvetydigheten er et karakteristisk kjennetegn i Leirviks kunstnerskap.

Materialvalget holdes enkelt og hverdagslig; tau, steintøy, metall og pappmasjé – men også her gjennomsyrer dobbeltheten da Leirvik for denne utstillingen har arbeidet med aquaplast, et materiale med minne som blant annet brukes for ortopediske formål. Porøse og skjøre materialer med elastisitet og styrke – til sammenligning med hudens kvaliteter – og det er kanskje nettopp i relasjon til det kroppslige og sanselige vi kan nærme oss de ulike verkene. I bearbeidelsen av arbeidene er avtrykk etter kropp og hånd konkret og direkte tilstede. Det tankemessige og fysiske er her sammenføyd, klemt sammen, foldet inn. Skjøtet eller sammenføyningen som har blitt strukket, holdt og klemt har nå forlenget eller beveget seg ut i materialet, tatt bolig, og dveler nå i sin nye tilstand.

Gjennom blikkets berøring kan man nærme seg dette forsiktige, men på samme tid svært tilstedeværende og taktile landskapet. Kraften og dypet som til tider rir kroppens følelsesliv vibrerer med sin væren i samme rom hvor tanke og sensitivitet setter sitt avtrykk på instinkt og intuisjon. Dette bringer oss videre i tilstedeværelse- og nærværsproblematikken. På hvilken måte er vi i verden og hvordan erverver vi oss kunnskap om den? Fornemmelsen av at erfaringer lagres som minner i levd kropp – foldet inn og samtidig utstrakt i rom på rom i organismen, i foldens samtidige forside og bakside – gjør seg gjeldene i Leirviks arbeider.

Fenomenlogen Maurice Merleau-Ponty (1908-1961) skriver om kroppen som en sammenfletning av syn og bevegelse, og fremhever kroppens særstilling idet den nettopp innehar denne karakteristiske dobbelheten; ”Gåten skyldes at kroppen min på samme tid er seende og synlig. Den betrakter alle ting, men den kan også betrakte seg selv, og i det den da ser, skjelne den ”andre siden” av sin synsevne. Den ser seg selv som seende, den berører seg selv som berørende, den er synlig og sanselig for seg selv” […] Et selv som altså er fanget mellom tingene, et selv med en forside og en bakside, med en fortid og en fremtid… […]. Merleau Ponty uttaler videre; ”Fordi kroppen min er synlig og bevegelig, hører den hjemme blant tingene, den er en av den, den er en del av verdens vev, […]. Men fordi den ser og beveger seg, holder den tingene i krets omkring seg, som et vedheng eller en forlengelse av seg selv, de er innfelt i dens kjød, de inngår i dens fulle definisjon, og verden er gjort av samme stoff som kroppen” (Merleau-Ponty, Maurice; Øyet og ånden, Pax Forlag, Oslo 2000, side 17.)

Teksten er skrevet av Camilla Sørvik.

Else Leirvik(1973) bor og arbeider i Stavanger og er utdannet ved Kunsthøgskolen i Bergen. 
Hun har siden 2008 hatt en internasjonal utstillingsaktivitet og har blant annet stilt ut på Nomas Foundation, Roma, Galerie Opdahl, Berlin, Galleri Rekord, Oslo, The Internasjonale Bienale Of Conseptual Art, Baku, Antrepo No 5, Istanbul, Cosmogonia, Palazzo Collicola Arti Visive - Museo Carandente, Spoleto, ISCP og Open Source Gallery i New York.

Utstillingsperiode: 21. mars til 28. april 2013.
Galleriet er stengt i påskeuken, utstillingen vil da kunne ses fra gaten gjennom vårt store vindu.

Les anmeldelse av utstillingen her:
http://m.aftenbladet.no/kultur/billedkunst/Kraften-fra-vest-3163163.html#.UXUgG2Qayc0

Else Leirvik

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Else Leirvik

Else Leirvik. mellomgulv. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas & Wagle. Sang 1 og Larm 2. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas & Wagle
Fortsettelser

14. februar til 17. mars 2013

Utstillingen åpnes av Vibeke Waallann Hansen, kurator ved Nasjonalmuseet.

Vi har gleden av å presentere en utstilling med helt nye arbeider fra Løvaas & Wagle.
Løvaas & Wagle er kjent for å benytte seg av utradisjonelle materialer i sine kunstverk, som brukte ulltepper, nylonstrømper, regntøy, sokker og luer.  I deres siste utstillinger har uttrykket vært fargesterkt og med et ganske stramt formspråk.

Utstillingens tittel Fortsettelser viser til at Løvaas & Wagle har gjort et dypdykk i egen historie. Ideer som har ligget på atelieret og modnet har nå blitt til nye arbeider som er klare til å stilles ut. Dette er særlig synlig i det store arbeidet Larm 2, der vi kan finne tekstilmaterialer og farger fra tidligere produksjoner, rester av materialer som har ligget på atelieret, til og med fargeprøver fra deres studietid på stofftrykksalen på Statens håndverks-og kunstindustri skole. 

De to andre arbeidene Sang 1 og Rosemarie har helt andre materialer og fargeuttrykk, som aluminium og ullstoff i kombinasjon med tre.  Vi ser i denne utstillingen arbeider som er utført på en svært direkte måte, som forteller om veien Løvaas & Wagle har gått så langt, og veien videre for dette markante kunstnerskapet.

Kunstnerduoen Astrid Løvaas (1957) og Kirsten Wagle (1956) startet sitt samarbeide under studietiden på Statens håndverks-og kunstindustri skole ( nå Khio) på begynnelsen av 1980-tallet, og hadde sitt store gjennombrudd med to utstillinger på Kunstnernes Hus og Bergen kunstforening i 1995. I 2008 hadde de en retrospektiv utstilling på Museet for Samtidskunst i Oslo. De har også laget mange flotte utsmykkinger bla. dekoreringen av fasadene på Operahuset i Bjørvika og sceneteppet til Trøndelag Teater for å nevne noen. 
De skal levere en stor utsmykking til Kommunenes Hus i Oslo på våren 2013.

For mer informasjon, se deres webside: http://www.lovaas-wagle.no

Løvaas og Wagle

Løvaas & Wagle. Larm 2. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas og Wagle

Løvaas & Wagle. Rosemarie. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas og Wagle

Løvaas & Wagle. Larm 2 og Rosemarie. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas og Wagle

Løvaas & Wagle. Sang 1. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas og Wagle

Løvaas & Wagle. Bærtling i kvadrat 2. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Løvaas og Wagle

Løvaas & Wagle. Sang 1, Bærtling i kvadrat 2, Uten tittel 1 og 2. Foto: Øystein Thorvaldsen.

rush hour / shanghai 5 / 2010/ 380 x 161 cm / materiale nerceriseret bomuld/ digital jacquardvævning

Grethe Sørensen
spor af lys / rushtrafikk

10. januar - 10. februar 2013

Utstillingen åpnes av Anne Stabel, tekstilkunstner og styreleder i NTK.

Det er en stor glede å presentere en utstilling av den anerkjente, danske tekstilkunstneren Grethe Sørensen for det norske publikum. Utstillingen viser vevde tekstilarbeider utført med digitalt styrt vev, og en videoprojeksjon laget i samarbeid med film- og videoprodusent Bo Hovgaard.

Videoens poetiske, meditative billedforløp i langsomt strømmende bevegelser skaper et eterisk motstykke til de vevede teppenes fysiske tyngde og struktur. De to mediene understreker og fremhever hverandre. Videoen med bevegelse, lys og skiftende bilder fasinerer, mens vevarbeidenes kvaliteter finnes i dybden, stoffligheten og farveintensiteten som garnet og vevkonstruksjonen tilfører motivet.

Grunnlaget til Grethe Sørensens vevde tepper er videoopptak av billys i Shanghai, tatt med et ufokusert kamera. Videoopptakene transformerer de ufokuserte bildene til lysende fargeflater og mønstre i utallige fargevariasjoner, og ut fra dette universet av forunderlige bilder har Grethe Sørensen skapt en helt unik serie med vevde arbeider.

Grethe Sørensen har laget prøver og utviklet vevteknikkene i sitt eget verksted på en vevstol med digital trådstyring. De store vevnadene er utført i samarbeid med vevverkstedet på Nederlands Textilmuseum.

Grethe Sørensen (1947) bor og arbeider i Danmark. Hun jobber som kunstner, tekstildesigner og har også en rekke utsmykkingsoppdrag. Hun har bla. designet møbelstoffet som brukes i en av salene i Den Norske Opera. Grethe Sørensen er en svært aktiv utstiller både i Danmark og internasjonalt. Hennes kunst er innkjøpt til en rekke samlinger som Tekstilmuseet i Borås, Ny Carlsbergfondet, Kunstindustrimuseet i Danmark og Statens Kunstfond for å nevne noen.

De vevde teppene som vises på SOFT galleri er en del av en langt større serie som ble vist på Rundetårn i København i 2012.

Se webside: http://www.grethesorensen.dk

Grethe Sørensen

Grethe Sørensen
Headlights 1 / Shanghai (2012)
230 x 162 cm

Grethe Sørensen

Grethe Sørensen
Headlights 2 / Shanghai (2012)
232 x 161 cm

Grethe Sørensen

Grethe Sørensen i SOFT galleri.

Grethe Sørensen

Grethe Sørensen i SOFT galleri.

Grethe Sørensen

Grethe Sørensen i SOFT galleri.

Kirsti Willemse. OVER UNDER. Foto: Øystein Thorvaldsen.

Kirsti Willemse
Evaporasjonar

22. november - 31. desember 2012

Utstillingen åpnes av Hans Hamid Rasmussen, førsteamanuensis i tekstilkunst ved Kunsthøyskolen i Oslo.

Vi har gleden av å presentere en ung og svært lovende kunstner i SOFT galleri.
Kirsti Willemse leverte masterarbeidet sitt på kunstfag ved KhiO i mai i år, og dette er hennes første separatutstilling etter endt studie.

Utstillingen Evaporasjonar består av tekst, tekstilmaterialer og naturstein. Et tekstarbeid er montert på vinduet mot gaten, et tekstilarbeid, der en mengde løse tråder er samlet til et rutenett, er montert midt i rommet, og et verk på gulvet består av krittegninger på steiner.

Willemse har arbeidet med overganger -  overganger mellom linjen, tråden og rommet, overgangen mellom det todimensjonale og det tredimensjonale, overgangen mellom innerom og uterom. Hun undersøker tekst som materiale, og vev som en form for tekst. Gjennom en bruk av dagligdagse materialer speiles en interesse for det temporære.

Med en nedstrippet bruk av materialer skaper Kirsti Willemse poetiske tablåer som er både vakre og tankevekkende.

Kirsti Willemse (1985) bor og arbeider i Oslo. Hun har vært en aktiv utstiller i løpet av studietiden sin, og deltatt på ustillinger ved Galleri KHM i Malmö, Galleri Nb8, Galleri Storck, og Studio 44 i Stockholm. Kirsti Willemse har også deltatt i driften og kurateringen av Galleri Nb8 og Søylegalleriet på KhiO. Hun har akkurat deltatt på en gruppeutstilling på Hå gamle prestegard og skal i 2013 stille ut på Punkt Ø i Moss.

Se kunstnerens webside for mer informasjon: http://www.kirstiwillemse.com

Kirsti Willemse

Kirsti Willemse. Evaporasjonar 1. Foto: Øystein Thorvaldsen

Kirsti Willemse

Kirsti Willemse. Evaporasjonar 1 og 2. Foto: Øystein Thorvaldsen

Kirsti Willemse

Kirsti Willemse. Evaporasjonar 2. Foto: Øystein Thorvaldsen

Kirsti Willemse

Kirsti Willemse. OVER UNDER. Foto: Øystein Thorvaldsen

Kirsti Willemse

Kirsti Willemse. OVER UNDER. Foto: Øystein Thorvaldsen

Karen Havskov Jensen, Det daglige brød


Karen Havskov Jensen
Det daglige brød

18. oktober - 18. november 2012

Utstillingen åpnes av Hanne Øverland, tekstilkunstner og tidligere styreleder i NTK.

Vi har gleden av å presentere en utstilling av den danske billedkunstneren Karen Havskov Jensen.
Verket Det daglige brød er et enormt heklearbeid. Et nesten fire meter langt bord er dekket av en duk i filetteknikk. Motivene er hentet fra Nees i Vestjylland, hvor Karen Havskov Jensen vokste opp og som hun har flyttet tilbake til etter mange års fravær. Nees er et sted hun kjenner godt, både fra innsiden og fra utsiden.

Et kart over Nees utgjør motivet på bordflaten og på langsidene av bordet har duken motiver hentet fra jordbruksproduksjon før og nå. På den ene siden er motiver fra gamle dager og på den andre siden er motivene hentet fra i dag. Duken har flere hull. Noen av hullene går innover og blir trakter som går under bordet fra den ene langsiden til den andre. Motivene fra gamle dager forbindes med motiver fra i dag. Slik synliggjøres forskjeller mellom før og nå.

Selv om Havskov Jensen henter motivene fra et bestemt sted er endringene hun referer til og konsekvensene av disse, allmenngyldige for mange små steder hvor teknologisk forbedringer og krav til større effektivitet fører til blant annet utflytting.

Det daglige brød viderefører flere elementer fra det tidligere verket, Rundt i Reservatet fra 2009. Rundt i Reservatet handler også om endringer i utkantsområder. Et digert hekleteppe dekker en stol, et bord og en lampe. Møblene er fra noen tiår tilbake. Verket som helhet gir assosiasjoner til noe som er pakket bort og som i sin tilstand av forlatthet har begynt å leve sitt eget liv. På samme måte som møblene er umoderne er også hekling noe som tilhører gårsdagen. Ved å bruke en gammeldags håndarbeidsteknikk på en ny måte skaper Karen Havskov Jensen et nytt uttrykk. Hun kommenterer livet på landet gjennom en revitalisering av et medie som selv har sine røtter i den landlige kultur og som til en viss grad har gått av moten med den. I verket Det daglig brød fortsetter hun denne revitaliseringen, men går et skritt videre. Det daglige brød innbyr til å meditere over utviklingen og vår plass i den.

Til verket hører det en komposisjon av musiker og komponist Christian Risgaard Thomsen. Komposisjon består av en pianoimprovisasjon i kombinasjon med arbeids,- maskin- og naturlyder.

Karen Havskov Jensen er født i 1963 i Holstebro, Danmark og har sin utdannelse fra Fynske Kunstakademi i Odense, Danmark i 1993. Hun har hatt enn rekke separatutstillinger, og deltatt på mange gruppeutstillinger i Danmark, andre europeiske land samt Japan. Fra 2001 har hun sammen med Klavs Weiss stått for organisering av aktiviteter for ET4U - et samtidskunstprosjekt i Vestjylland.

For mer informasjon om kunstneren: http://www.karenhavskov.dk

Karen Havskov Jensen

Karen Havskov Jensen, Det daglige brød.

Karen Havskov Jensen

Karen Havskov Jensen, Det daglige brød.

Karen Havskov Jensen

Karen Havskov Jensen, Det daglige brød, detalj.

Karen Havskov Jensen

Karen Havskov Jensen, Det daglige brød, detalj.


Marianne Magnus
Billedtepper

13. september - 14. oktober 2012

Utstillingen åpnes av Gudrun Eidsvik, daglig leder for RAM galleri.

Vi har gleden av å presentere en utstilling av Marianne Magnus, en av Norges mest markante billedkunstnere innen sjangeren billedvev. Marianne Magnus skaper billedtepper hvor hun utforsker farger, geometriske mønstre og optiske virkninger. I SOFT galleri viser hun tre tepper; Spazio, Eco og Samurai.

Komposisjonen i Spazio er bygget opp av kantede og repeterende former. Formene avtar i størrelse og er plassert slik at de skaper fire spiralbevegelser som leder blikket innover i billedrommet. Lys og skyggevirkninger forsterker effekten. Det er et optisk spill i teppet, mellom dybde og flate. De store lyse formene i teppets ytterkant drar blikket ut i flaten igjen. 

I teppet Eco holdes blikket mer i overflaten enn i Spazio. Fem doble organiske, former nærmest flyter over en mørk bakgrunn. Hver av de fem organiske formene er satt sammen av fire deler i ulike farger, rød, gul, grønn og blå. Teppet er komponert over et rutenett med fire store ruter som igjen er delt inn i mindre ruter. Hver firkant inneholder elementer som er med på å bygge opp to av de organiske formene. Effekten av disse kompositoriske grepene gjør at de organiske formene dirrrer i overflaten.

I Samurai snor blanke, metallaktige bånd seg over flaten. Båndene snor seg over og under hverandre. Lys- og skyggevirkninger forsterker romfølelsen. Som i de to andre teppene er motivet et utsnitt av former og mønstre som man kan tenke seg fortsetter utenfor billedrammens fysiske begrensinger.

Marianne Magnus bor og arbeider i Oslo, og hun har sin utdannelse fra Statens Håndverk- og Kunstindustriskole i Oslo. Hun har hatt separatutstillinger i Visningsrommet USF, Bergen (1998), Trondhjem Kunstmuseum (2001), Kunstnerforbundet (1996, 2002), Hå Gamle Prestegard (2003), Nasjonalmuseet i Kaunas, Litauen (2004) og Nordnorsk Kunstmuseum, Tromsø, (2006).

Hun har deltatt på en rekke gruppeutstillinger i inn og utland. Blant andre: Østersjøbiennalen, Rostock, Tyskland, (1989), Ny Norsk Tekstilkunst, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum (1989), Nordic Textiletriennale, Tournai Belgium (1997), Sting-eye, Bury St.Edmunds Art Gallery, England (1999), Gateshead, Newcastle (1999-2000), European Tapestry Forum ,Nordjyllands Kunstmuseum, Aalborg, Danmark (2005), Kronborg Slot, Danmark, (2009). Johannes Larsen Museet, Kerteminde, Danmark(2009).

Hennes kunst er innkjøpt til offentlige samlinger som; Nasjonalmuseet, Nordenfjeldske kunstindustrimuseum, Oslo kommune og Nordnorsk kunstmuseum.  Marianne Magnus har også laget mange private og offentlige utsmykkinger blant annet til Universitetet i Oslo.

Kunstneren har laget en katalog til utstillingen, denne er støttet av Bildene Kunstneres Hjelpefond.

Marianne Magnus

Spazio. 180 cm x 170 cm.

Marianne Magnus

Eco

. 160 cm x 180 cm

Marianne Magnus

Samurai.

200 cm x 170 cm


Elisabet Storhaug
Unwound

7. august - 9. september 2012

Elisabet Storhaug viser et verk som består av flere tusen kassetter. Kassettene er montert tett i tett opp under taket. Lydbåndene er trukket ut av kassettene i lange remser. Resultatet er et volumniøst verk av lette bånd i ulike valører av brunt.

Kassetten transformeres fra et medium for lyd til en estetisk opplevelse. Storhaug er i dette verket mer opptatt av mengden kassetter enn av den musikken kassettene inneholder.  Innholdet dras bokstavlig talt ut av kassettene, og danner lange flagrende linjer. Former og linjer repeteres og bygger opp verket. Kassettene har hun samlet inn fra loppemarkeder og fra venner og bekjente. Også i masteroppgaven sin brukte Elisabet Storhaug kassetter. Da destruerte hun sin egen musikksamling fra årene 1984 til 2002 og vevde et ni meter langt teppe av lydbåndene. Verket 1984 - 2002 referer til hennes personlige forhold til kassetten. I verket Unwound hun nå viser i SOFT galleri er referansene mer generelle. Verket viser både til kassettens glansperiode på slutten av 1970-tallet og begynnelsen av 1980 -tallet og til dagens nostalgiske bruk av kassetten som visuelt symbol.

Kassetten ble lansert i 1963 og den muliggjorde en enorm musikkproduksjon ved siden av det kommersielle musikkapparatet. Ulike undergrunnsband lagde demoer og miniopplag. Kassetten var enkel å håndtere og menigmann kunne lage sine egne musikksamlinger ved å spille inn musikk fra radioen eller kopiere fra andre kassetter. Etter hvert ble kassetten erstattet av digitale formater og i 2007 sluttet de største elektronikkforhandlerne å ta inn tomme kassetter. I dag er kassetten et nostalgisk minne og en selvsagt del av retrotrenden. Gamle kassetter gjenbrukes som smykker og det lages blant annet vesker, iphone-cover og T-skjorter med trykk av kassetter.

Elisabet Storhaug (f.1980) er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo. Dette er hennes første separatutstilling.
Hun har deltatt på flere gruppeutstillinger blant annet Utstillingen 09 ved Nasjonalmuseet for kunst, Arkitektur, Design og Paradice City i SOFT galleri i 2007, Triennale 2006 Tekstil-fiber-lær vist i Oslo Kunstforening i 2006 og i Rösshka Kunstmuseum i 2007. 

Se anmeldelse i Billedkunst nr 5 - 2012 http://www.billedkunstmag.no/Content.aspx?contentId=2502&menu1=6&menu2=0

Elisabet Storhaug

Unwound. Elisabet Storhaug. Foto: Øystein Thorvaldsen

Elisabet Storhaug

Unwound. Elisabet Storhaug. Foto: Øystein Thorvaldsen

Elisabet Storhaug

Unwound.Elisabet Storhaug. Foto: Øystein Thorvaldsen

Elisabet Storhaug

detalj. Unwound.Elisabet Storhaug. Foto: Øystein Thorvaldsen

Grunnstoff / Elements. Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Hanne Øverland
Grunnstoff / Elements

14. juni - 31. juli 2012.

Utstillingen åpnes med en performativ event av kunstneren Tone Gellein.

Hanne Øverland reflekterer rundt fargen grønn og de sterke assosiasjonene denne fargen har til våre forestillinger om natur og naturlig. Arbeidene spenner fra maleriske flater som henger på veggene, til en stor gulvtekstil som inviterer publikum til å tre inn i kunstverket.

Fargen grønn kan assosieres både med noe vakkert og heslig. Spirende gress er grønt, mugg og råte har grønnskjær, både det friske og det giftige i naturen kan være grønt. Ved å jobbe med fargen i homogene, nærmest monokrome flater, lar kunstneren fargen stå åpen for tilskuerens refleksjoner, betraktninger og assosiasjoner. 

Hanne Øverland har i dette prosjektet vært opptatt av å hente inn natur, bearbeide natur og etterlikne natur. Til utstillingen Grunnstoff / Elements har hun jobbet med ulike naturfiber, både bearbeidete og ubearbeidete, og digital fotooverføring av natur til syntetisk materiale. Her er den “ekte” naturen - et arbeide laget av reinlav og ull, montert på veggen som bilde, mens den fotografiske avbildningen av det samme stykket natur, ligger på gulvet tigjengelig for publikum til å sette seg på.

Hanne Øverland (1958) bor og arbeider i Oslo. Hun er utdannet ved tidligere SHKS, nå Kunsthøyskolen i Oslo, på institutt for tekstil med diplom i 1987. Hun har stilt ut separat på Kunstnerforbundet i 1998 og 2007, samt Galleri Format Bergen og Vestfold kunstnersenter. Hanne Øverland har deltatt på en rekke gruppe og kollektivutstillinger, bla Norske kunsthåndverkeres årsutstilling og Høstutstillingen. Hennes arbeider er innkjøpt av Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Kunstindustrimuseet i Oslo og Bergen Kinomatografer, og hun har laget flere offentlige utsmykkinger.

For mer informasjon om kunstneren se: www.hanneoverland.com

I juli måned vil døren til galleriet være stengt, men utstillingen er utformet slik at den kan oppleves fra gaten via vårt store vindu i hele perioden.

Hanne Øverland

Grunnstoff / Elements. Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Hanne Øverland

“Det første” og “Det siste.” ” Utsnitt 2.”  Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Hanne Øverland

“Utsnitt 1” og “Utsnitt 2.”  Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Hanne Øverland

“Grønt område.”  Fotograf: Øystein Thorvaldsen.

Hanne Øverland

“Det første.”  Fotograf: Øystein Thorvaldsen.


Elise Storsveen
Stjernene der nede

10. mai - 10. juni 2012

Utstillingen åpnes av kurator og utstillingsdesigner Marianne Zamecznik.

Utstillingen Stjernene der nede er et stort tekstil verk som fyller gallerirommet. Ved hjelp av knytebatikk utført på gjenbruksmaterialer har Elise Storsveen forsøkt å skape en illusjon av bilder av verdensrommet.

Verdensrommet har alltid fasinert mennesker og vært inspirasjonskilde for både vitenskaplige undersøkelser og litterære fantasier. Hubbelteleskopet og andre tekniske apparater gjør det mulig å fotografere, dokumentere og undersøke stjerner, planeter og galakser. På tross av en pågående vitenskaplige avdekking av verdensrommet er det mye vi ikke vet og mange av teoriene er så abstrakte at de kun forstås av eksperter.

Installasjonens tittel Stjernene der nede er hentet fra en science fiction novelle av den amerikanske forfatteren Manly Wade Wellman. I novellens fiktive univers stilles forestillingen om at verden er rund opp mot erkjennelsen av at den er flat. Science fiction genren mikser vitenskaplige fakta og fantasi og skaper særegne fiktive univers med en egen indre logikk. I installasjonen gjør Elise Storsveen noe av det samme. Hun problematiserer skillet mellom fiksjon og virkelighet i sitt forsøk på å skape en illusjon av bilder av verdensrommet med stjerner og planeter.

Elise Storsveen er født i Oslo i 1969. Hun bor og arbeider i Oslo. Hun er utdannet ved Statens Håndverk- og kunstindustriskole og Kunstakademiet i Oslo med avgangseksamen fra 1996. Hun har hatt sparatutstillinger blant annet i Galleri Trafo i Asker, 0047, Kunstnerforbundet og Fotogalleriet i Oslo. I 2010 - 2011 deltok hun på gruppeutstillingen Take me to your leader, ved Nasjonalmuseet for Kunst og Bergen Kunstmuseum. Hun har gjort flere samarbeidsprosjekter med Jon Gundersen, blant annet collageprosjektet Vet naturen hva den gjør? I samarbeid med Eline Mugaas lager hun Fanzinen ALBUM#, og stiller for tiden ut dette prosjektet på Kunsthalle i Zürich og på utstillingen Millenuim Magazine på MoMa i New York.

Utstillingen Stjernene der nede fikk god anmeldelse i Klassekampen 16. mai.

Last ned anmeldelse av utstillingen.Elise Storsveen

Stjernene der nede

Elise Storsveen

Stjernene der nede


Nina Bang Larsen
Innanfor / Utanfor

22. mars - 29. april 2012

Velkommen til åpning torsdag 22. mars kl 18 - 20.

Utstillinga vert opna av kunsthistorikar og prosjektleiar i Norsk Billedhoggerforening Linda Olsen.

Me har gleda av å presentera Nina Bang Larsen si fyrste separatutstilling etter enda mastergrad ved Kunsthøgskolen i Bergen. Utstillinga Innanfor / Utanfor er ei stadsspesifikk installasjon laga for SOFT galleri. Den består av ei stor mengde skulpturar som er montert på golv, vegg og i tak. Tilskodaren vert invitert til nær kontakt med skulpturane etter som ein flyttar seg mellom dei og rundt dei og nærmast vert omslutta av dei.

Nina Bang Larsen arbeider med brukte tekstilar, møblar og andre heimlege gjenstandar i sine skulpturar. Materiala kan vera puter, kleshengarar, lamper, klede og sko, briller, gyngestolar og krakkar, stumtenar, tekannevarmar, rammer, nær sagt alt ein kan finna i ein vanleg heim, og de fleste arbeida i denne utstillinga er oppblåsbare. Utanom denne interessa for å bruka lett tilgjengelege og kvardagslege materialar, er ho oppteken av den delen av det menneskelege liv som ikkje er så synleg. Skulpturane hennar er visualiseringar av det som går føre seg inni hovuda på oss alle. Ho lar det psykiske koma til uttrykk gjennom dei fysiske materiala me omgjev oss med.

Skulpturane handlar om kjensler og tankar om det å vera innanfor og utanfor, på mange forskjellige måtar. Kvar skulptur representerer forskjellige tankar og kjensler, men kunstnaren har arbeidd for at skulpturane skal vera opne for tilskodaren sjølv å projisera eigne tankar/kjensler over på skulpturane. Arbeida hennar balanserer ein stad mellom tiltrekkande og fråstøytande, og humoren luskar alltid i kullissane, hand i hand med melankolien.

Nina Bang Larsen (1981) bur og arbeidar i Bergen. Ho har si utdanning frå Kunsthøgskolen i Bergen, avd. Kunstakademiet med mastergrad i 2010, samt Kunsthochschule Berlin-Weissensee. Ho har stilt ut på Vestlandsutstillingen i 2011, Sculpture by the Sea og Sculpture Inside i Århus i 2011, og ho har stilt ut både separat og i gruppe ei rekke stader medan ho var student. Nina Bang Larsen er også medlem i kunstnargruppa Camilla Bang Frantzen.

Sjå kunstnaren si webside på: www.ninabanglarsen.com

Utstillinga er støtta av Norsk kulturråd.

Les intervju med Nina Bang Larsen om utstillingen på Kunstforum: http://www.kunstforum.as/2012/04/humoristisk-gravalvor/

Nina Bang Larsen

Morgenbladet 23. mars 2012. Tommy Olsson anbefaler.

Nina Bang Larsen

Nina Bang Larsen. Innanfor / Utanfor

Nina Bang Larsen

Nina Bang Larsen. Innanfor / Utanfor

Nina Bang Larsen

Nina Bang Larsen. Innanfor / Utanfor

Nina Bang Larsen

Nina Bang Larsen. Innanfor / Utanfor

Nina Bang Larsen

Nina Bang Larsen. Innanfor / Utanfor

Tonje Høydahl Sørli. A Critical Culimination!

Tove Pedersen, Kristin Sæterdal og Tonje Høydahl Sørli
"ulp,glubb,svoosj"

16. februar - 18. mars 2012

Utstillingen åpnes av tidligere professor i billedvev ved Høyskolen i Oslo, tekstilkunstner Unn Sønju.

I utstillingen “ulp, glubb, svoosj” presenterer vi 3 kunstnere som arbeider med tegneseriemotiver i billedvev, og som aldersmessig tilhører 3 generasjoner. Å veve tegneserier i billedvevteknikk er et interessant paradoks; moderne, raske billeduttrykk utført i et håndverk som er tidkrevende og møysommelig, og som også er en av de eldste kunstneriske teknikkene vi kjenner.

Tove Pedersen viser et dobbeltportrett med tittlene Soloppgang og Stjernenatt med motiver som begge kan regnes som ikoner for sin tid. Soloppgang avbilder Mikke Mus slik vi kjenner han fra Walt Disneys tegnefilmer fra 1940 og fremover og Stjernenatt er et portrett av en koptisk yngling som finnes på en billedvev som smykker en kjortel fra 750 år f.Kr. Tove Pedersen har flyttet motivene til Norge ved å gi dem bakgrunner inspiret av Edward Munchs malerier Solen (i Universitets Aula) og Stjernenatt.

Kristin Sæterdals arbeider viser bilder av eksplosjoner. Eksplosjonene tar utgangspunkt i tegneserienes scenografi, men i Sæterdals bilder er superhelten / tegneserien fjernet og bakgrunnen er det som står igjen, som frosset fast i tid som et filmklipp. Motivene kan gi assosiasjoner til terrorisme, naturkatastrofer eller jordens undergang og dette står i kontrast til billedteppens estetiske uttrykk og møysommelige oppbygging tråd for tråd. Slik vil kunstneren sette fokus på forholdet mellom ødeleggelse og nyskaping.

Tonje Høydahl Sørlis vevarbeider presenteres i vevrammene frittstående på gulvet som tekstile skulpturer. Motivene i arbeidene er hentet fra Donald Duck seriene, og det er Dolly Duck som er gjennomgangsmotiv. Tonje Høydahl Sørli ønsker gjennom sine arbeider å problematisere forestillinger om kjærlighet, seksualitet og frykt for det uforutsette. Fokuset på romantisk kjærlighet og romantikk preger både feministiske undergrunnstegneserier, klassiske Girl Romance serier, og er dessuten temaet som kvinnene i Donald Duck kretser rundt. Dette fokuset på kjærlighet er Høydahl Sørli opptatt av. Høydahl Sørli er både påvirket av og ønsker å  sette i perspektiv den feminismen hun vokste opp med, og den feminismen hun ser i dag.

Tove Pedersen (1945), Kristin Sæterdal (1963) og Tonje Høydahl Sørli (1978) bor og arbeider i Oslo. De er alle tre aktive billedkunstnere som fornyer og viderefører billedvevtradisjonen i Norge. Tove Pedersens arbeid var sist å se på Kunstnerforbundets jubileumsutstilling i 2011, Kristin Sæterdal hadde en stor billedvev på Høstutstillingen 2011 og Tonje Høydahl Sørli deltok med et verk på Kunsthåndverk 2011 på Kunstindustrimuseet i Oslo.
Les mer om hver kunstner på:

www.tovepedersen.com
www.kristinsaeterdal.com
www.tonjesorli.com
www.absolutetapestry.com

For cv-er, ta kontakt med galleriet.

Tove Pedersen, Kristin Sæterdal og Tonje Høydahl Sørlie

Tove Pedersen. Soloppgang. Fotograf: Arthur Sand.

Tove Pedersen, Kristin Sæterdal og Tonje Høydahl Sørlie

Kristin Sæterdal. Mørkredd.

Tove Pedersen, Kristin Sæterdal og Tonje Høydahl Sørlie

Tove Pedersen. Stjernenatt. Fotograf: Arthur Sand.

Tove Pedersen, Kristin Sæterdal og Tonje Høydahl Sørlie

Kristin Sæterdal. Kaboom 1.

Tove Pedersen, Kristin Sæterdal og Tonje Høydahl Sørlie


Regien Cox
Sky travellers

12. januar - 12. februar 2012

Utstillingen åpnes av kunsthistoriker og vikarierende daglig leder for SOFT; Kristine Fresvig.

Regien Cox fyller gallerirommet med en installasjon fra sitt eget kunstneriske univers som hun kaller: The MUSt - Meetings in the Universe of the Strange. Kunstneren forsøker å skape visuelle og opplevbare verdener, der elementer fra virkelighetes univers blander seg med fantasiens ubegrenselige univers. Installasjonen Sky travellers er tenkt å illudere reiser og bevegelser i et tenkt verdensrom, der “strange meetings” mellom objekter og ideer kan skje.

Det konkrete menneskeskapte møter det fantastiske, i skulpturer og objekter laget av restavfall fra industrien som Regien Cox bearbeider med maling, tekstil, påfører egenlagete objekter og readymade-objekter. Betongblanderen har vært et gjennomgående objekt for henne i de siste årene, og i installasjonen på SOFT viser hun bla. tre bearbeidete betongblandere, den ene påført 650 små leketøypingviner.

Installasjonen inneholder skulpturer stående på gulv og hengende fra tak, malerier, collager og tegninger.

Objektene hennes er gjenkjennelige, men samtidig gjennom en dekonstruksjon, så skapes det noe nytt. Bruksaspektet til readymaden blir tømt- og får dermed funksjon som en metafor med henvisning til Regien Cox sitt eget metafysiske univers- der kunstneren selv har regien.
Tekst: Mette-Line Pedersen, kunsthistoriker, 2011.

Regien Cox er født 1977 i Nederland, og bor og arbeider i Arendal.
Hun er utdannet fra Kunsthøgskolen i Bergen, seksjon for tekstil, med hovedfag i 2001. Hun har hatt separatutstilling på galerie Magenta i Nederland og Hordaland kunstsenter, og sist på ARTendal, Bomuldsfabriken Kunsthall i Arendal i 2010. Regien Cox har deltatt på flere gruppeutstillinger som Sørlandsutstillingen 2010 og Norske Kunsthåndverkeres årsutstilling for å nevne noen.
I 2011 ble hun tildelt Aust Agder fylkeskommunes kunstnerstipend.

Kunstnerens webside: http://www.regiencox.com

Se anmeldelse i KUNSTforum: http://www.kunstforum.as/2012/01/en-liten-stor-verden/

Regien CoxRegien CoxRegien CoxRegien CoxRegien Cox

Petrine Lillevold Vinje. " Kulisse for absolutt suverenitet". Foto: Øystein Thorvaldsen

Petrine Lillevold Vinje
Kulisse for absolutt suverenitet

24. november - 1. januar 2012

Utstillingen åpnes av Stephanie von Spreter, kunsthistoriker og kunstnerisk leder på Fotogalleriet.

Vi ønsker velkommen til en utstilling med nye arbeider av Petrine Lillevold Vinje. Treskulpturen Kulisse for absolutt suverenitet (2011) gir navn til utstillingen.

Petrine Lillevold Vinje har de seneste årene arbeidet med utgangspunkt i sakrale rom og monumental skulptur. I barokkens overdådige utsmykninger av kapell og katedraler inngår modellerte draperier utført i gips eller farget marmor. Draperiene kan ses på som en form for scenografier for det vesentlige i barokkunstnerens oppdrag – portrettet av en geistlig eller helgen. Treskulpturen Kulisse for absolutt suverenitet er en fri gjengivelse av gipsdraperiet i Berninis Statue av Konstantin den Store i Scala Regia, Vatikanet (1654-1669). Verket opptrer som en samtidig versjon av noe kjent men ikke gjenkjennbart, gitt at det er tatt ut av sin egentlige kontekst og ikke er det vesentlige element i originalen.

I utstillingen finner vi også et fotografi, ...Hell (2011), av et plagg.  Den er en del av en fotoserie med avbildninger av populærkulturelle objekter fra vår nære historie, som har en individuell symbolsk betydning.

Petrine Lillevold Vinjes kunstnerskap kan ses på som en refleksjon over bruken av det visuelle språket, kraften i bildet og tradisjoner frarevet sin opprinnelse. I avstanden mellom formspråket og dets symbolverdi ligger det en lengsel og noe uoppfylt. Dette er et gjennomgående interessefelt hos kunstneren og behandles gjennom tolkninger av sentrale visuelle elementer fra vestlig kunsthistorie og samfunn. Petrine Lillevold Vinje viser sine monumentale skulpturer i installasjoner sammen med tegning og fotografi. Gjennom sine arbeider ønsker hun å tillegge historien nye fortellinger – og skape nye sammenhenger. Avstanden mellom hennes konseptuelle utgangpunkt og materialiteten i arbeidene hennes befester dem som konstruksjoner for en ny og imaginær historieskriving.

Utstillingen er et bidrag til en diskurs omkring håndverkstradisjoner i samtidskunsten. Prosjektet utforsker også en mulig forflatning i kunsthistorien, der lag på lag av fortolkninger når et klimaks i dagens uhøytidelige appropriasjonspraksis.

En liten, todelt pamflett utgis i forbindelse med utstillingene. Del I er utgitt til utstillingen The Right Finds the Pearl på Akershus Kunstsenter (okt-nov 2011) og del II utgis ved utstillingen på SOFT galleri.

Petrine Lillevold Vinje, født 1980 i Askim, bor og arbeider i Oslo. Hun har hovedfag fra Institutt for farge ved KhiO i 2005. Hun har hatt separatutstillinger i Arendal Kunstforening, Kunstnerforbundet og var nettopp aktuell med separatutstilling på Akershus kunstsenter, Lillestrøm. Petrine Lillevold Vinje har deltatt på flere gruppe- og kollektivutstillinger.
For mer informasjon se: http://www.petrinelillevold.com 

Utstillingen er støttet av Norsk kulturråd og Billedkunstnernes vederlagsfond.

Se anmeldelse i KUNSTforum: http://www.kunstforum.as/2011/12/et-tilfeldig-mote-med-et-suverent-stykke-kunst/

Petrine K. Lillevold Vinje

Petrine Lillevold Vinje. ” Kulisse for absolutt suverenitet”. Foto: Øystein Thorvaldsen

Petrine K. Lillevold Vinje

Petrine Lillevold Vinje. ” Kulisse for absolutt suverenitet”. Foto: Øystein Thorvaldsen

Petrine K. Lillevold Vinje

Petrine Lillevold Vinje. “...Hell” Fotografi. Foto: Øystein Thorvaldsen

Petrine K. Lillevold Vinje

Petrine Lillevold Vinje. ” Kulisse for absolutt suverenitet”. Foto: Øystein Thorvaldsen


Ane Lan
ANIMUS CENTRI

20. oktober - 20. november 2011

Utstillingen åpnes med en performance av Ane Lan sammen med Rikke Lundgreen, Birgitte Fjeld Bjørsvik og Aurora E. Sandlilje .

SOFT galleri har gleden av å presentere performancekunstneren Ane Lan. 
Gjennom performative aksjoner iscenesatt i video/film, foto, eksperimentell musikk og teaterforestillinger undersøker han kjønn og identitetsproblematikk. Ane Lan er spesielt opptatt av å sette spørsmålstegn ved hva vi legger i begrepet identitet og individualitet, med utgangspunkt i teorier som problematiserer forholdene mellom globaliseringsprosesser, massemedia og sosiale systemer. Navnet ANE LAN er en adapsjon av navnet til den kjente kvinnelige sufragetten Anne Land som levde i Storbritannia på begynnelsen av forrige århundre.

Utstillingen ANIMUS CENTRI består av en serie med tegne/tekstilobjekter, en videoinstallasjon og et performancearbeid som vises på åpningen.

Tematisk tar utstillingsprosjektet utgangspunkt i Jacob Böhmes teosofiske lære. Jacob Böhme (1575-1624) var en tysk filosof og kristen teosof som ble stemplet som kjettersk i sin samtid. Hans skrifter ble kjent først etter hans død. Böhmes uttrykk for kristen mystikk var hverken preget av ekstase eller av kontemplativ ro, men av indre erkjennelse. En viktig del av Böhmes erkjennelser er Gud og mennesket (Adams) iboende androgynitet som han ser i forhold til en større fortolkning av naturkreftene, syndefallet og det onde. For Böhme er ikke det onde, og syndefallet separert fra Guds skapervek men en nødvendighet for Guds selverkjennelse. Gud gav mennesket fri vilje for at Gud skal kunne forstå seg selv og sitt skaperverk, og da menneskene også er en del av Gud, forstå Gud og derigjennom erkjenne seg selv.

ANIMUS CENTRI tar utgangspunkt i Böhmes kosmologiske tenkning hvor han konsentrer seg om 7 forskjellige naturkrefter (og planeter) som hver og en representerer en spesiell kraft som virker i menneskets kropp og ånd. Senere filosofer som Boris Mouravieff og Georges Gurdjieff har bygget videre på Böhmes tenkning på dette området og utviklet the law of three og the law of seven som matematiske prinsipper.

Ane Lan ( Eivind Reierstad ) er født i 1972 og bor og arbeider på Kløfta.
Han har studert ved fagområdet for tekstil og farge (KhiO), uteksaminert i 2002.
Ane Lan har deltatt på en rekker utstillinger og festivaler internasjonalt i de 10 siste årene. Blandt andre The Whitney Museum of American Art i New York, Paco das Artes i São Paolo, Venezia biennalen i 2005, Istanbul biennalen i 2007. I Norge har han hatt separatutstillinger på Henie Onstad Kunstsenter, Galleri F 15 og Fotogalleriet. Ane Lan er også aktuell med separatutstilling på Museum of Contemporary Art i Krakow, og premiere på teaterforestillingen A SPIRITI under Meteor internasjonale teaterfestival i Bergen i oktober.

Utstillingen er støttet av Billedkunstnernes Vederlagsfond og Fond for Lyd og Bilde. 

Pressekontakt: Karianne Sand, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Ane Lan

Principunio. Performance på åpningen. Fotograf Silje Storm Fredriksen

Ane Lan

Principunio. Performance på åpningen. Fotograf Silje Storm Fredriksen

Ane Lan

Principunio. Performance på åpningen. Fotograf Silje Storm Fredriksen

Fragile Energy I. Fotograf: Hugo J. Mackenzie-Robinson

Ingunn Skogholt
FRAGILE ENERGY

8. september - 9. oktober 2011

SOFT galleri har gleden av å presentere en av Norges fremste billedkunstnere innenfor sjangeren gobelin. Til denne utstillingen har Ingunn Skogholt laget to nye arbeider med tittelen Fragile Energy

Arbeidene er komponert av en variasjon i røde fargenyanser mot kontrasterende sorte flater. Billeduttrykket består av organiske og geometriske abstrakte former som bindes sammen av et begrenset fargeutvalg.

Ingunn Skogholt bygger opp flatene tråd for tråd, med stor variasjon i materialutvalg i blank og matt, og natur- og syntetisk fiber, og med disse virkemidlene skaper hun svært levende flater med et intenst fargeuttrykk. Utstillingens tittel og idé Fragile Energy viser til tilværelsens ytterpunkter; letthet, glede, intensitet i motsetning til sorg og innestengt mørke.

Ingunn Skogholt (født 1952) bor og arbeider på Ekely i Oslo. Hun har en internasjonal kunstutdannelse bak seg med MA fra Royal College of Art i London, Edinburgh College of Art, Kunstakademiet i Bratislava og tidligere Kunsthåndverkskolen i Oslo. Hun har stilt ut separat på bla. Galleri K og Kunstnerforbundet.  Ingunn Skogholt har deltatt på en rekke gruppe og kollektivutstillinger i inn og utland, bla hele 10 ganger på Høstutstillingen, og sist sett på utstillingen Norsk tekstilkunst i et internasjonalt perspektiv i Trondheim kunstmuseum i 2011.

Ingunn Skogholts arbeider smykker ut både offentlige og private bygg; som Oslo Tinghus, Regjeringsbygget og Hamar tinghus, i tillegg til en rekke cruiseskip. Hennes kunst er innkjøpt til bla. Statoil, Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design, og en rekke andre offentlige og private samlinger.

Arbeidet Fragile Energy II er innkjøpt til Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum i Trondheim.

Ingunn Skogholt

Fragile Energy II. Fotograf: Hugo J. Mackenzie-Robinson


Aurora Passero
WARRIOR GLOSS

4. august - 4. september 2011

SOFT galleri har gleden av å presentere en ung og lovende kunstner. Aurora Passero gjorde seg bemerket under årets masterutstilling i kunstfag på Kunsthøyskolen i Oslo der hun mottok to stipender for arbeidet sitt.

Aurora Passero skaper installasjoner som befinner seg i sjiktet mellom skulptur og maleri. Hun jobber med utgangspunkt i forskjellige materialer som nylon, lær, plast og gummi, og bearbeider disse med tekstile teknikker som å veve, hekle, knyte og farge. Dette danner elementer som hun komponerer sammen til ulike abstrakte, organiske former og strukturer.

Passero henter fritt inspirasjon fra mange ulike kulturelle uttrykk som populær- og undergrunnskultur, folklore, håndverkstradisjon, kunsthistorie og mote for å nevne noen. Dette gjenspeiles i arbeidene hennes der kontrastfylte teksturer åpner for nye visuelle og taktile erfaringer.

Til utstillingen WARRIOR GLOSS viser hun en gruppe nye skulpturer laget spesielt for gallerirommet på SOFT. Verkene går i dialog med hverandre og rommet, og består i hovedsak av vevd og farget nylon.

Aurora Passero er født i 1984 og bor og arbeider i Oslo.
Hun har tidligere studert ved fagområdet for tekstil (KHiO) og Glasgow School of Art, Dep.of Sculpture and Environmental Art. Passero er også aktuell med separatutstilling på Akershus Kunstsenter I 2012.

Utstillingen er støttet av Norsk kulturråd.

Pressekontakt: Karianne Sand, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47 48 17 70

Last ned anmeldelse av utstillingen.Aurora Passero

The Sun’s Corona. Fotograf: Øystein Thorvaldsen

Aurora Passero

Fotograf: Øystein Thorvaldsen

Aurora Passero

Warrior Gloss. Fotograf: Øystein Thorvaldsen

Aurora Passero

Les anmeldelsen til Kjetil Røed i Aftenposten 06.08.11.

Fotograf Thomas Løberg

Sidsel Palmstrøm
Monument

16. juni - 30. juli 2011

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning av Sidsel Palmstrøms separatutstilling Monument torsdag 16. juni kl. 19.00.

Utstillingen åpnes av billedkunstner og skribent Anne Karin Jortveit.

Monument er en installasjon bestående av tekstiler og lyd. En enorm mengde second hand tekstiler er satt sammen til en stor tredimensjonal form fritt i rommet. I kontrast til de brukte tekstilene og deres konkrete historie, går et flyktig, assosiativt lydbilde gjennom rommet og ut på gaten. Det svært konkrete sammen med det like flykige gir oss en flertydig opplevelse, som åpner opp for nye assosiasjoner og referanser i forhold til det vi her ser.

Sidsel Palmstrøm har alltid en konseptuell tilnærming til materialene hun jobber med, og har særlig utforsket hvordan allerede ladete objekter og materialer kan brukes som meningsbærende elementer i installasjoner og skulpturer. Enten det er readymades i form av bestikk med monogram, madrasser, puter, duker eller herreskjorter. Undersøkelse av språk har også stått sentralt i hennes kunstnerskap, da gjerne ord brodert på brukte klær og tekstiler, eller som sist vist på Kunstnerforbundet i 2010; en vegginstallasjon med bokstaver i neonlys.

I installasjonen Monument har hun derimot latt være å ta med elementer av tekst, men lar oss heller assosiere fritt i møtet med lyden og de brukte tekstilene og alt hva det representerer av historie, erfaringer og ulike referanser.

Sidsel Palmstrøm (født 1967) bor og arbeider i Oslo. Hun har hatt en rekke separatutstillinger, senest på Kunstnerforbundet i 2010,og før dette på bla. RAM galleri, Akershus Kunstsenter og Kunstbanken på Hamar for å nevne noen. Palmstrøm har deltatt på mange gruppe og kollektivutstillinger, bla 3 ganger på Høstutstillingen. Hennes arbeider er innkjøpt til bla Nasjonalmuseet, Kunstindustrimuseet i Oslo og Vestlandske kunstindustrimuseum i Bergen.

Kunstnerens webside: sidselpalmstrom.com

Utstillingsperiode: 16.juni til 31. juli 2011.
I juli er galleridøren stengt, men utstillingen er utformet slik at den kan betraktes fra gateplan via galleriets vindu i hele juli måned.

Sidsel Palmstrøm

Fotograf Thomas Løberg

Sidsel Palmstrøm

Fotograf Thomas Løberg

Sidsel Palmstrøm

Fotograf Thomas Løberg


Britt Smelvær
Destinasjon Damaskus

21. oktober - 21. november 2010

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning torsdag 21. oktober kl. 19.00. Utstillingen åpnes av tekstilkunstner og direktør ved Trondheim Kunstmuseum, Randi Lium.

Britt Smelvær har de seneste årene arbeidet med ornamentikk som tema. Et langvarig opphold i Damaskus i perioden 2008-09 har således dannet grunnlag for dybdeundersøkelser innen den islamske ornamentikkens estetiske, filosofiske og historiske tradisjoner. Ved SOFT galleri presenteres nye arbeider basert på erfaringer og kunnskap fra oppholdet i Damaskus.

Arbeidenes grunnleggende tematikk relateres til den islamske verdensanskuelse som blant annet tilkjennegir et skille mellom ”den utvendige” og ”den innvendige” verden. Definisjonen betegner forholdet mellom den materielle og den åndelige verden, samt anskueliggjør en lagvis inndeling av livets modningsfaser. Lagene erkjennes av mennesket gjennom modning, fordypning og forskning, og består av de fem trinnene Nasut, Malakut, Jabarut, Lahut og Huwa.

Når den lagvise orden visualiseres står spesielt det tradisjonstunge tikantmønsteret sentralt. Den harmoniske og symbolladete formen utgjør en grunnleggende ikonografi som formidler forbindelsen mellom, og forståelsen av, den jordiske og kosmiske helhet i islamsk filosofi.

Tikantmønsteret utgjør på denne måten en fremtredende inspirasjon også i Smelværs seneste arbeider, og skaper et felles omdreiingspunkt i lesningen av verkene. Gjennom ulik materialbruk, som lysstoffrør, vindusfolie, treverk og papir, presenteres to- og tredimensjonale arbeider som tematiserer og problematiserer den islamske ornamentikkens iboende egenskaper og visuelle forståelse.

Britt Smelvær (f.1945, Årdal) bor og arbeider i København, Danmark. Hennes mangeårige kunstnerskap spenner over et bredt spekter av mediale teknikker og uttrykk innen tekstil og papir; herunder todimensjonale verk, objekter, intallasjon og landskapskunst. Smelvær arbeidet som professor ved Kunsthøgskolen i Bergen (KHiB) i 1993-97. Hun har avholdt en rekke separautstillinger i Norge og internasjonalt, bla. Unge Kunstneres Samfund (UKS), Galleri F15, Bergen Kunstforening, Den Norske Ambassade, København, Hå Gamle Prestegard, Galleri 360 grader, København og Galleri Mortensen & Markman, Fuglsang, Danmark. Smelvær har stått for en rekke usmykninger i Norden, bla. Abel Ungdomsskole, Gjerstad, Helse Førde, Fylkessykehuset i Sogn og Fjordane, og Verdipapirsentralen, Oslo. Hennes arbeider er innkjøpt av bla. Nasjonalmuseet, Norsk kulturråd, Vestlandske Kunstindustrimuseum og Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum.

Utstillingen er støttet av Statens Kunstråd, Danmark

Pressekontakt: Janicke Iversen, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Britt SmelværBritt SmelværBritt SmelværBritt SmelværBritt Smelvær


Eva Kun
Elektrisk innslag

16. september -17. oktober 2010

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning torsdag 16. september kl. 19.00.

Utstillingen åpnes av kunsthistoriker og daglig leder Janicke Iversen.

Med utgangspunkt i metervis med lystråd har Eva Kun inntatt gallerirommet. Fra vegg til vegg spennes trådene, og rommet “veves” sammen som et altomfattende installasjonsgrep. Formen er bølgende og skaper et volum som omslutter det besøkende publikum.

På tross av lystrådenes tynne og nærmest immaterielle karakter utgjør installasjonen som helhet en sterk og fysisk tilstedeværelse. Kun søker på denne måten å utfordre menneskets sanselighet og persepsjon i møtet med rommet og stedets iboende egenskaper. Snarere enn å avgrense møtet mellom volum, verk og betrakter til språklige og tekniske definisjoner er formålet å åpne for en utvidet og kognitiv erfaringsdimensjon.

Kuns kunstnerskap understreker en tydelig interesse for tangeringspunktet mellom kunst og arkitektur. Ved bruk av immaterielle virkemidler, der lys- og skyggeforhold står sentralt, utvikles skulpturelle elementer i ulike størrelsesforhold og volum. Arbeidene er alltid å forstå som stedsspesifikke i den forstand at en tett lesning og dialog med rommet inngår som avgjørende for installasjonens form og intenderte effekt. Et landskap utgjør på samme måte som et definert og avgrenset arkitektonisk rom et mulig volum for intervensjon.

Interessen for det nordiske lyset står som en avgjørende inspirasjonskilde for Kun. De eteriske virkninger som frembringes i hennes skulpturelle og tredimensjonale installasjoner skapes ved utstrakt eksperimentering i materialer og fremgangsmåter. I utstillingen ved SOFT galleri arbeider Kun for første gang med lystråd - et stramt og minimalistisk materialvalg dominerer som gallerirommets eneste bestanddel.

Eva Kun (f.1952,Budapest, Ungarn) bor og arbeider i Bergen. Hun er utdannet ved Kunstakademiet i Warszawa, Polen. Utstillingsvirksomheten omfatter bl.a. separatutstillinger ved Kunstnernes Hus, Bergen Kunsthall, UKS, Trøndelag Kunstnersenter, Oslo Kunstforening og Évora, Portugal, samt gruppeutstillinger ved bl.a Bergen Kunstmuseum, UKS Biennalen, Tempo Skien, Bomuldsfabriken og Peace Center, Betlehem, Israel. Kun har stått for en rekke offentlige utsmykninger i Norge. Hun underviser ved Bergen Arkitektskole (BAS).

Pressekontakt: Janicke Iversen, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Eva KunEva KunEva Kun


Hanne Frey Husø
Morfologi om morgenen

5. august - 5. september 2010

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning torsdag 5. august kl. 19.00. Utstillingen åpnes av billedkunstner og kurator Anne Karin Jortveit.

Kunstkritiker og skribent Trond Borgen har skrevet teksten ”Arkivet arkivert” til utstillingens katalog.

I drømmeaktige landskap, før solen har stått opp, bretter edderkoppen ut sine nettverk. I et hus i den drømte hagen sitter Arkivaren og arbeider med en morfologisk beskrivelse av edderkoppen. Hans tekst er et nett av egne tanker og sitater fra filosofer og diktere.

Animasjonsfilmen ”Morfologi om morgenen” er en blanding av dukkefilm, tegnefilm og stillbilder. Termen ”morfologi” ble utviklet av Goethe i ”Plantenes metamorfose” fra 1790. Filmen tar i bruk termen som en metafor på delen i forhold til helheten: arkivets fragmenter som ligger lagret i støvede skuffer. Arkivaren henter opp et av de tilsynelatende døde objektene og animerer det.

Scenografien, dukkene og tegningene fra filmen er arkivert i utstillingslokalet. Alle kulisser er laget av håndlaget papir. Edderkoppen er dekket med papir og hennes spinn er spunnet av Mulberry papir. Arkivardukken er skåret ut i tre. Den tegnede delen av filmen er tegnet på gamle, maskinskrevne hovedfagsavhandlinger og leksika. Noen av animasjonene er collager fra illustrerte bøker om mekanikk, oppfinnelser og anatomi.

”Morfologi om morgenen” er del av et større arkivprosjekt kalt ”Insel Freyhaus’ arkiv” som består av marionetter med hver sine bøker av tykt, håndlaget papir – alt arkivert i et mørkt kabinett. Utstillingen ved SOFT galleri er en digitalisering av et utdrag av denne større helheten. Husø bevarer det håndlagde aspektet ved arkivet: filmen er langsom, og den er skapt gjennom den klassiske animasjonsteknikkens tålmodige prosess.

Arkivarens stemme levendegjøres av tidligere høyesterettsdommer Gunnar Aasland.

Det er komponert akustisk originalmusikk til filmen med tuba, trekkspill og ukulele.

Hanne Frey Husø (f. 1974) bor og arbeider på Nesodden. Hun har hovedfag i Kunstfag fra Institutt for tekstil ved Kunsthøgskolen i Oslo. Hun har studert skriveteknologier og lagringsmedier ved Universitetet i Oslo innenfor fagfeltene litteraturvitenskap og informatikk. Husø har også vært to ganger i Praha og lært marionettemakeri og Stop Motion-animasjon under veiledning av Mirek Trejtnar. Hennes hovedfagsprosjekt ”Insel Freyhaus’ arkiv” har tidligere vært utstilt på Seilduksfabrikken og Hå Gamle Prestegard. Utstillingen på SOFT er hennes første separatutstilling. Husø har tidligere deltatt på flere gruppeutstillinger.

Prosjektet er støttet av Norsk kulturråd og Tegneren Pedros minnefond.

Presse- og informasjonskontakt: Janicke Iversen, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Hanne Frey HusøHanne Frey HusøHanne Frey HusøHanne Frey Husø


Gunvor Nervold Antonsen
Polyfonisk stillstand

30. juni - 1. august 2010

Åpning onsdag 30. juni kl 19.00. Utstillingen åpnes av kunsthistoriker og daglig leder Janicke Iversen.

NB! SOFT galleri holder sommerstengt i perioden 3. juli - 1. august. Nervold Antonsens utstilling er imidlertid utformet med spesifikk visuell funksjon fra gateplan, og kan besøkes hele juli måned.

Dortmund Bodega: Etter åpningen hos SOFT galleri fortsetter kvelden hos Dortmund Bodega med visning av Nervold Antonsens serie “Malerei.Stickerei”. Åpen bar fra kl. 20.00. Dortmund Bodega, Schous Plass 6 (Grünerløkka).

SOFT galleri ønsker velkommen til Gunvor Nervold Antonsens visning av hennes seneste arbeider. Utstillingen består av to monumentale og to mindre verk som alle problematiserer skjæringspunktet mellom tekstile, maleriske og skulpturelle virkemidler.

Tittelen Polyfonisk stillstand peker således på relativiteten som oppstår når flermediale teknikker og ulike visuelle utfordringer integreres i ett og samme prosjekt. De to hovedverkene, Luminous I & II, går i dialog med rommet og utfordrer volumet de inngår i. På denne måten inntar de tekstile og i utgangspunktet todimensjonale arbeidene en rombasert og tredimensjonal funksjon. For å understreke viljen til medial og rommessig utforskning kompletteres de to monumentale arbeidene av to mindre tekstile verk. I Flommen I & II understrekes dermed på ny kunstneres vilje til å videreutvikle normerte og til dels tradisjonstunge teknikker og presentasjonsformer.

Nervold Antonsens arbeider skapes med utgangspunkt i eksempelvis kassert markisestoff, grov strie, eller andre utradisjonelle og funnede materialer. På disse underlagene kombineres energifylt bruk av spraymaling og nitidige sammenføyninger av perler, paljetter og broderi. Collagene som oppstår innehar referanser til Jackson Pollocks action painting, ulike kvinneorienterte håndverkstradisjoner, og sågar dagens graffititeknikker - for å nevne noen. Metoden kan betegnes som fysisk og prosessorientert. Eksistensielle temaer som indre kraft og identitet danner grunnlaget for langvarige arbeidsprosesser der kunstners fysiske anstrengelser kan leses som avtrykk i verkets dynamikk. På denne måten materialiseres ideer gjennom intuitive handlingsmønstre der såvel mentale som tekniske problemstillinger utfordres. Kontraster danner et annet gjennomgangstema der dybde- og lyskontrasterende elementer står sentralt. Intensjonen er er å kombinere mørke underliggende krefter med en ekspressiv, energisk og glitrende overflate. Lys og mørke i et gjensidig avhengighetsforhold.

Gunvor Nervold Antonsen (f.1974) bor og arbeider i Oslo. Hun er utdannet ved Kunsthøgskolen i Bergen (KHiB) i 2001, og har hatt separatutstillinger ved bla Kunstnerforbundet, HV-Ateljer, Stockholm og Galleri Gathe, Bergen. Hun har deltatt på en rekke gruppeutstillinger i inn- og utland, mottatt flere stipendier og stått for utsmykkinger ved bla Våler ungdomsskole i Hedmark. Arbeidene er innkjøpt til flere offentlige samlinger.

For pressevisning og informasjon kontakt SOFT galleri:
Janicke Iversen: .(JavaScript must be enabled to view this email address) / Kristin Sæterdal: .(JavaScript must be enabled to view this email address)
47 48 17 70 / http://www.softgalleri.no

Gunvor Nervold AntonsenGunvor Nervold AntonsenGunvor Nervold Antonsen


Katrine Meisfjord
Contribution to the Development of Norway

3. juni - 27. juni 2010

Åpning torsdag 3. juni kl 19.00.

Kl. 19.30: program ved Diana Nyalanga Etsabo og Lavleen Kaur.
Utstillingen åpnes av Hilde Hauan Johnsen, professor ved Avd. for spesialisert kunst ved Kunsthøgskolen i Bergen (KHiB).

SOFT galleri ønsker velkommen til Katrine Meisfjords debutantutstilling. Meisfjord avsluttet sitt masterstudium ved Kunsthøgskolen i Bergen i 2009, og blir således den første avgangsstudenten SOFT galleri presenterer som del av vår nyopprettede årlige kuratering av én masterstudent vi finner særlig interessant. Utvelgelsen er gjort på bakgrunn av en vurdering av avgangsstudentenes arbeider ved avdelingene kunstfag og speisialisert kunst ved Kunsthøgskolene i Oslo og Bergen.

Meisfjords utstilling er en videreutvikling av tematikken som hennes avgangsarbeid, As White as it Gets, tok utganspukt i. Politisk engasjement står i denne sammenheng sentralt, der særlig integreringspolitikk og norsk bistandsarbeid vies et nærmere fokus. Meisfjord stiller blant annet spørsmål ved den norske stat og det norske folks holdninger og stillingtagen til integrering av nye landsmenn og deres dertil hørende kulturelle balast. Makter vi å etablere en demokratisk og åpen implementering av nye nasjonaliteter og kulturelle utrykk, eller preges vi som nordmenn først og fremst av skepsis, bedreviten og holdninger som markere avstand? Hvor står vi pr i dag?

Contributions to the Development of Norway er et prosessrelatert og relasjonelt utstillingskonsept der prosjektets meningsbærende faktorer utelukkende forløses i interaksjon og meningsutveklsing mellom inviterte gjester og publikum. Utstillingsrommet er utformet som et stilisert klasserom, der hvite stoler utgjør det umiddelbare visuelle fokus. Stolene skal gjennom ulike arrangementer fylles med publikum som ønsker å ta del i Meisfjords program av inviterte gjester med flerkulturell bakgrunn, samt nordmenn som arbeider med integreringspolitiske oppgaver. I disse møtene skal utveksling mellom ulike kulturer og ulik kunnskap høres, ses og utfordres.

Hvite arbeidsantrekk inngår også i utstillingens rombaserte installasjon. Antrekkene står som symbol for nasjonale og kulturelle hierarkier, og inviterer til refleksjon rundt ulike roller i det internasjonale bistandssystemet - der også Norge utgjør en sentral part.

Program 3.juni kl 19.30:
Den kenyanske journalisten Diana Nyalanga Etsabo reflekterer rundt nordmenns relative holdning til toleransebegrepet, og stiller sørsmål ved hva Norge kan lære av andre kulturelle systemer? Etsabo er journalist og er for tiden deltaker i Fredskorpsets utvekslingsprogram i Norge. Hun arbeider blant annet som radioreporter i Nairobi, og er medlem i Association of Media Women in Kenya.

Lavleen Kaur deltar med performance, i form av dans, basert på utstillingens konsept. Hun har også med seg danserne Shilpi Bhatnagar, Navreet Kaur og Medha Sharma i forestillingen. Lavleen Kaur er danser, koreograf, skuespiller og kriminolog.

Program 8.juni kl 19.00:
Ungdommer fra Riverside ungdomshus, Sohaila Al-Khoyat, Ikram Bouhmidi og Sagad Hakem Abbas, forteller om den kulturelle arv de bærer med seg fra sine foreldres hjemland i Marokko og Irak. Hvilke spesielle egenskaper har ungdommer med tilknytning til flere kulturer?

Stine Wågsås fra Oslo kommunes introduksjonsprogram på Grønland og Rebekka Tvedt Skarberg fra integreringsprogrammet Ny sjanse forteller hvordan Oslo kommune arbeider for å nyttegjøre kompetansen flyktninger og immigranter bringer til Norge.

Katrine Meisfjord (f.1966) er utdannet ved Kunsthøgskolen i Bergen (KHiB) i 2009. Hun har vært bodatt i Uganda og Nicaragua, er tidligere utdannet sykepleier og har erfaring fra bistandsarbeid.

Utstillingen er støttet av:
Billedkunstnernes Vederlagsfond (NBK), Norsk kulturråd, Oslo kommune og Bergen kommune.

For pressevisning og informasjon kontakt SOFT galleri:
Janicke Iversen: .(JavaScript must be enabled to view this email address) / Kristin Sæterdal: .(JavaScript must be enabled to view this email address)
47 48 17 70 / http://www.softgalleri.no

Katrine Meisfjord


Kristian Øverland Dahl
Stille Natt og Realitetene

15. april - 30. mai 2010

Åpning torsdag 15.april kl 19.00. Utstillingen åpnes av Elin Seip.

SOFT galleri ønsker velkommen til Kristian Øverland Dahls utstilling Stille Natt og Realitetene. Utstillingen viser arbeider som tematiserer forkledninger.

Artist talk med Kristian Øverland Dahl og Julie Ilona Balas

SOFT galleri søndag 30. mai
Saft og bønn fra kl 14 til 15.

Vi inviterer til kaffe, te og kjeks, samt samtale omkring det vanlige og det uvanlige. Påstanden; “alt var jo bare den vanlige drepinga” setter anslaget for tematikken.

Kristian Øverlands Dahls utstilling Stille Natt og Realitetene har siste visningsdag søndag 30. mai. I forbindelse med avsluttningen arrangerer vi en artist talk der kunstner i dialog med skribent Julie Ilona Balas reflekterer omkring ulike temaer utstillingen referer til.

Velkommen!

Om utstillingen:
Gjennom historien har personer hatt nytte av ulike forkledninger for å signalisere en posisjon eller en hensikt. Signalene som forkledningen sender ut kan virke forvirrende på den uinnvidde, men vil virke stabiliserende i en kjent kontekst. Ofte er det snakk om prosesser som innebærer risikable personlige investeringer, som for eksempel i den katolske skriftestol. Forkledningen dekker til personligheten, men kan også brukes for å oppnå en sterkere tilknytning til det entydige og virkelige.

Utstillingen presenterer arbeider som tematiserer forkledninger. Arbeidene inkluderer figurer/skulptur i ladede situasjoner, der menneskelige figurasjoner utfordres av og spiller videre på tekstilenes konkrete tilstedeværelse.

Øverland Dahl arbeider med et vidt spekter av medier og teknikker med hovedvekt på tredimensjonale rombaserte installasjoner og skulptur. Teatrale fremstillinger av konflikter der subjektet møter antagonistiske krefter danner et gjennomgangstema. Om utstillingen sier kunstneren selv; «retorikken gjennomsyrer oss, forkledninger, skulpturer, realiteter…».

Øverland Dahls prosjekter kan også forstås som allegorier for kunsten og dens omgivelser. Arbeidene knytter an til økonomiske, politiske og psykososiale betingelser der også produksjon og daglig omgang med tekstiler problematiseres. Allegoriene fungerer som virkemiddel for å synliggjøre materialene på en frigjørende måte. Dahl diskuterer det materielle som problem, og som historie.

Kristian Øverland Dahl er utdannet ved Statens Kunstakademi i Oslo (KHiO) og fra Kunsthøgskolen i Bergen avd. Akademiet (KHiB). Han har hatt separatutstillinger ved Trafo galleri i Asker og UKS i Oslo, og har også deltatt på en rekke gruppeutstillinger nasjonalt og internasjonalt. Han er medlem i kunstnergruppen D.O.R. som vil stille ut på Witte de With i Rotterdam i juni.

For pressevisning og informasjon vennligst kontakt SOFT galleri ved:
Janicke Iversen: dl[att|softgalleri.no / Kristin Sæterdal: formidling[att]softgalleri.no
47 48 17 70 // http://www.softgalleri.no


Runa Carlsen
Coming Community

25. februar - 4. april 2010

Åpning torsdag 25.februar kl 19.00. Utstillingen åpnes av billedkunster Marianne Heier.

SOFT galleri ønsker velkommen til Runa Carlsens utstilling Coming Community. Utstillingen presenterer tre nye arbeider som tematiserer byutviklingen i Bjørvika.

I arbeidet Grundrisse presenteres en konseptuelt orientert veveteknikk skapt via en mobil ”vevstol”. Vevstolen er i denne sammenheng et sammenleggbart mobilt stillas på hjul som flyttes rundt i den nye bydelen Bjørvika. Materialene som veven er satt sammen av er funnet på byggeplasser som kunstneren og hennes stillas oppsøker. I fotografiet The New Hot Spot introduseres betrakter til en av Carlsens intervensjoner som har funnet sted på en av bydelens mange byggeplasser. I utstillinges tredje presenterte arbeid, Polyethylene, møter man selve objektet og derigjennom sluttproduktet som besøket, eller altså intervensjonen, på byggetomten resulterte i.

I sine prosjekter ser Carlsen nærmere på måter mennesker deler og utveksler erfaring og kunnskap på, og stiller spørsmål ved om den opprinnelige naturalhusholdningsideen fortsatt er en mulig vei å gå for å skape et mer humant samfunn.

Ved å rette fokus mot byggeboomen som pågår i Oslo, der det aldri tidligere har vært bygget høyere, raskere og i et større omfang, reflekterer Carlsen over at byen gjennomgår store endringer man som innbygger så vidt aner konturene av. Ved å ta byen i bruk på egne premisser problematiseres handlingsrommet i det offentlige rom fra passiv konsument til aktiv produsent. Med sine intervensjoner skaper kunstneren på denne måten et annet type sted – et rom i rommet for refleksjon.

Carlsens prosjekter spenner fra relasjonelle intervensjoner i offentlige rom til sosialt orienterte arbeider, samt også selvbiografiske og dokumentariske strategier.

Runa Carlsen er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo (KHiO), Høgskolen i Oslo (HiO) og Parsons School of Design, New York. Hennes prosjekter er vist ved blant annet Oslo Kunstforening, Akershus Kunstsenter og BOA. Utstillingen ved SOFT galleri er hennes første separatutstilling.

Utstillingen er støttet av Norsk kulturåd.

Artist talk med Franz Schmidt og Runa Carlsen 24. mars klokken 19.00 i RAM galleri. Arrangementet er et samarbeid mellom RAM galleri og SOFT galleri

For informasjon vennligst kontakt SOFT galleri:
Janicke Iversen: .(JavaScript must be enabled to view this email address) / Kristin Sæterdal: .(JavaScript must be enabled to view this email address)


Jan Steinum
Red River Boy in the Cotton Candy Garden

14. januar - 14. februar 2010

Åpning torsdag 14. januar kl 19.00. Utstillingen åpnes av poet og forfatter Kjersti Bronken Senderud.

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning av Jan Steinums separatutstilling “Red River Boy in the Cotton Candy Garden”. Utstillingen omfatter en skulpturell rominstallasjon og et videoarbeid. Gjennom tematisk refleksjon omkring kroppens intime forhold til den tekstile objektkultur utfordrer og kontrasterer de to verkene hverandre. Her problematiseres blant annet dikotomier som sannhet og fiksjon, det konstruerte og det naturlige, begjær og inderlighet, historie og nåtid, og sist men ikke minst møtet mellom mennesket og natur.

Forbundet gjennom et nett av tråder, forsterkninger og reparasjon er utstillingens presenterte installasjon satt sammen av tekstiler som bærer sterkt preg av slitasje. Totaluttrykket minner om flådd hud eller pergamenter. Den nærmest museale objektreferansen setter installasjonen i utfordrende dialog med videoarbeidets mer metaforiske eller symbolistiske fremstilling av tekstilenes bruksfunksjon. Tablået som utspilles innehar historiske referanser til spesifikke spiritistiske ritualer der mennesket tilkjennes spesielle egenskaper hvis det beviselig kan overgå det naturstridige. Det tekstile fremheves således i videoarbeidet mer som en rekvisitt for fiksjon og konstruerte forestillinger, snarere enn å representerer materialets normalt sett jordiske og trivielle referanser. Slik belyses og fremheves tekstilene og objektenes flerfasetterte tilværelse, både deres beskjedne karakter og samtidig deres storhet ved historiene de forteller.

Steinums kunstneriske virke undersøker kryssingspunktet mellom det autentiske og det konstruerte, og finner et spenningsforhold mellom det prosaisk dokumentariske og den indre dramatikk i det iscenesatte. Med video, installasjon, skulptur og performance eksperimenterer kunstneren på tvers av mediale virkemidler og overfører således ideer fra et felt til et annet.

Jan Steinum (f.1970) er utdannet ved Academy of Fine Arts, Praha, Academy of Experimental Dance Theatre, København, Kunsthøgskolen i Oslo (KHiO) og Kunstakademiet i Trondheim (NTNU). Han har avholdt en flere separatutstillinger og deltatt på en rekke gruppeutstillinger nasjonalt og internasjonalt. Steinum har også en utstrakt liveartscenisk virksomhet.

Utstillingen er støttet av Vederlagsfondet.


Aslaug Juliussen
Re: Frozen Flowers

26. november 2009 - 3. januar 2010

I Aslaug Juliussens kunst gjenspeiles fasinasjonen for naturen og kulturen hun er omgitt av, og som hun er deltager i.

Gjennom involvering og en personlig tilnærming til de ulike kulturer i nord ønsker hun å utfordre både seg selv og betrakteren til en større refleksjon rundt dagens stadig skiftende syn på natur og kultur.

”Jeg samler fragmenter av ulike historier. Med et mangfold av materialer (huder, skinn, hår, beinrester, horn, tekstil, papir, glass, stein, metall og ready mades mm.), og erfart kunnskap, skaper jeg nye sammenstillinger og bevegelser. I arbeidene streber jeg etter å undersøke og løfte fram spørsmål og synliggjøre en flertydighet.”

Aslaug Juliussen bor og arbeider i Tromsø.  Hun er utdannet ved blant annet SHKS/ Kunsthøyskolen i Oslo i 1980.  Hun har hatt flere separautstillinger, blan andre utstillingen Hornverk på Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum i Trondheim i 2006.  Juliussen har deltatt på en rekke gruppeutstillinger i inn- og utlandet og mottatt en rekke stipender. Hun har gjort mange utsmykkinger for eksempel til Tromsø nye rådhus, Sametinget og Universitetet i Tromsø for å nevne noen.  Hennes kunst er innkjøpt og representert i flere offentlige samlinger.

Kunstnermøte på søndag med Aslaug Juliussen!
På SOFT galleri søndag 13. desember, kl 13:00.
Vi ønsker hjertelig velkommen til et spennende kunstnermøte i utstillingen Re: Frozen Flowers.
Aslaug Juliussen vil først ha en omvisning i utstillingen, og gi oss en bred presentasjon sitt kunstnerskap!
Etterpå blir det anledning til samtale og dialog ledet av kunsthistoriker Janicke Iversen.

Aslaug JuliussenAslaug Juliussen


Unn Sønju
RAW WAR

8. oktober - 15. november 2009

Som en av nestorene innen norsk billedvev viser Unn Sønju et utvalg arbeider fra antikrigsserien RAW WAR. Vevnadene er laget som en protest mot krig, der også medienes trivialisering av krigføring og populærkulturens transformering av voldelige handlinger til ren underholdning rettes et kritisk søkelys mot. Billedvevserien består av totalt 11 arbeider, hvorav vel havparten vises i utstillingen. Arbeidene er laget i perioden 2006-09.

Sønju har arbeidet som høgskolelektor, førsteamanuensis og professor på avdeling for estetiske fag ved Høyskolen i Oslo. Hennes interesse for faget er først og fremst rettet mot en årelang eksperimentering der billedvevens tradisjonstunge og håndverksbaserte formula er søkt videreutviklet i teknisk og tematisk forstand. Ved hjelp av vevens iboende plastiske og tredimensjonale muligheter har hun blant annet utarbeidet et relieffbasert uttrykk som utfordrer vevens tradisjonelle todimensjonale flate. Også i innholdet, som for eksempel i arbeidet Guantanamo, ser vi en vilje til fornyelse av vevens ofte tradisjonsbundne billedformular. I et abstrahert formspråk, og gjennom aktiv bruk av tekst og symboler reflekteres dagsaktuelle og samfunnsrelevante problemstillinger. I Sønjus arbeider fremkommer således en rekke paradokser der tradisjon møter samtid, der håndverk møter konsept, og der taktil tekstilkunst møter en hard realpolitisk virkelighet.

Unn Sønju er utdannet ved College of Art, Leeds, England (1957-59) og ved Den Kvinnelige Industriskole i Oslo (1960-62). Hun har stått for et trettitals separatutstillinger, og deltatt ved en rekke kollektiv- og gruppeutstillinger i Norge og utlandet. Sønjus arbeider er innkjøpt av en rad offentlige og private samlinger, deriblant Oslo kommunes kunstsamlinger og Norsk kulturråd. Hun har også utført om lag 20 offentlige utsmykninger, hvorav flere for Høgskolen i Oslo de seneste årene.

Åpningen markeres med en halvtimes trommesolo – ingen ord, ingen tale, kun lyd.

En nyprodusert katalog lanseres i forbindelse med utstillingen. Inntektene går i sin helhet til aksjonen Bestemødre for fred.

Utstillingen er kuratert av styret i Norske tekstilkunstnere.

Møt kunstneren UNN SØNJU i utstillingen ”RAW WAR” Søndag 15. november kl 13:00
Kunstneren vil snakke om sine arbeider og gi en utdypende introduksjon til så vel tekniske som innholdsmessige aspekter ved serien RAW WAR.
Det blir anledning til samtale og spørsmål etter omvisningen.


Hans Hamid Rasmussen
VRANG - RETT

13. august - 27. september 2009

Velkommen til åpning 13. august kl 19.

SOFT galleri er stolte av å presentere Hans Hamid Rasmussens seneste arbeider.
Rasmussens ble sist vist under vinterens stormønstring ”Afrika i Oslo” der han presenterte store skulpturelle former i brodert tekstil på Kunstnernes hus.

På SOFT galleri vil Rasmussen presentere en ny installasjon med tittelen ”Vrang – Rett”. Installasjonen tar utgangspunkt i fenomenet og begrepet rett- og vrangside av en tekstil.
Vranga er vanligvis den siden av tekstilen som vender ned mot en gjenstand, bort fra rommet eller inn mot kroppen. I Rasmussens installasjon er vranga synlig for betrakteren, og blir en tilgang til ”det andre.” Hans Hamid Rasmussen uttrykker at intensjonen med arbeidet er å sammenføre fortelling og rom på en slik måte at det blir mulig å ramme inn spørsmål som berører opplevelsen av å befinne seg utenfor – innenfor, feil – riktig og vrang – rett.

På mange måter kan Rasmussens siste prosjekt defineres som et kunstreferensielt prosjekt der ulike problemstillinger innen selve mediet, tekstil, tas opp til diskusjon. I tillegg kan Rasmussens arbeider forstås som bærere av en selvrefererende dualitet som betoner dialoger på tvers av nasjonalitet, kulturarv og kunstneriske formspråk. Ofte anvender han tekst i sine arbeider, noe som fremhever kulturell differensialitet, som er et av kunstnerens tematiske kjerneområder. Rasmussens broderiarbeider utfordrer også nedfelte og stereotype holdninger omkring kjønnsperspektiv og håndverksbasert kunst.

Hans Hamid Rasmussen arbeider som førsteamanuensis ved Kunsthøgskolen i Oslo (KHiO), Kunstfag, linje for tekstil, og har således de seneste årene vært en viktig ressurs og veileder innen utvikling og forståelse av det tekstile felt som kunstnerisk medium, uttrykksform og diskurs.

Høy utstillingsvirksomhet i Norge og utlandet har gjennom en årrekke markert Rasmussens arbeider som viktige bidrag i samtidskunstfeltet. I 2004 representerte han Norge under São Paulo Biennalen, og i 2008 deltok han på Den Tredje Internasjonale Biennale i Guangzhou i Kina. Rasmussen har stilt ut en rekke ganger ved Kiasma i Helsinki, ved Contemporay Center Regional D’Art i Sete, Frankrike og Galleri Martin Asbæk i København. I norsk sammenheng har kunstneren avholdt en rekke separat- og gruppeutstillinger, blant annet sin avsluttende separatutstilling for forskningsprosjektet ”Hyllest til Hybriden” i Trondheim Kunstmuseum i 2007. I tillegg har Rasmussen vist sine arbeider ved Kunstnernes Hus, Stenersenmuseet, Vestfossen Kunstlaboratorium og LIAF, samt ved en rekke av landets kunstnersentre.
Hans Hamid Rasmussen er født i 1963 i Algerie men er oppvokst i Norge.
Hans Hamid Rasmussens utstilling, ”Rett – Vrang”, er anmeldt i Kunstkritikk av Kjetil Røed.

Utstillingen ble åpnet av billedkunstner Samir M`Kadmi.

Hans Hamid RasmussenHans Hamid RasmussenHans Hamid RasmussenHans Hamid Rasmussen


Siri Berqvam
TOMGODS - TJUVGODS

25. juni - 2. august 2009

Siri Berqvams myke skulpturer kan assosieres til pop-art, og en barnlig verden av leketøysimitasjoner. Kunstneren har på ulike måter tatt utgangspunkt i ting fra hverdagen og fra ”bruk og kast” samfunnet, og dette har dannet grunnlaget for fabuleringer rundt vår vestlige kultur og den visuelle informasjonen vi omgir oss med til daglig. Hun bruker gjennomgående tekstile materialer da disse gir en slags ullen karakter til arbeidene og en referanse til det upretensiøse og hverdagslige.

Siri Berqvam har i det siste lekt seg mye med størrelsesforhold, og latt sine skulpturelle karikaturer bevege seg i retning av mer ekstreme overdrivelser av det ordinære, slik som i arbeidet som vises på Soft med tittelen ”Tomgods – tjuvgods”.

Arbeidet er en iscenesettelse bestående av overdimensjonerte, vulgære varianter av tradisjonell norsk matvare-emballasje. Kunstneren har tatt utgangspunkt i design som har vært faste innslag i butikkhyllene siden 50 tallet, og harselerer over den nyrike oljenasjonen som vi er. Tiden er forbi da det ikke fantes stort mer enn en type kaviar i butikkhyllene, og ord som nøysomhet tilhører stort sett fortiden. Siri Berqvams vulgære emballasje har innslag av gull, perler, skinnende stoffer og grelle farger; norskheten har gått gjennom et hamskifte.

Kontrasten som ligger i håndverk og materiale, kontra referansene til det levde liv, er noe Berqvam synes er veldig interessant. Som i ”Tomgods”, der hun har brodert og sydd kasserte blikkbokser og annet skrot. Plasseringen på gulvet gjør verkene sårbare, og den nonchalante presentasjonen av håndverk kan være med på å understreke kontrasten mellom det som arbeidene gir seg ut for å være og det det egentlig er.

Bruken av langsomme teknikker gjør at tiden blir synlig som en faktor i Siri Berqvam sine arbeider. Hun er opptatt av verdien av denne tiden knyttet opp mot moderniteten og ideen om raskeste vei mot målet. Berqvam ser det som viktig i et kapitalistisk og kommersialisert samfunn å faktisk ta seg tid til å gjøre de meningsløse tingene, i betydningen ikke-funksjonelle. Dermed fungerer også Siri Berqvams kunst som en stille protest mot stadig økende press om effektivitet.

Siri Berqvam (født 1977) har en mastergrad fra Kunsthøgskolen i Bergen i 2006, og har etter endt utdannelse vært en svært synlig og aktiv kunstner. Hun var representert på utstillingen ”LIGHTS ON” på Astrup Fearnley museet i 2008, og på Norsk skulpturbiennale samme år.  Berqvam har hatt separatutstillinger på henholdsvis Galleri Format i Bergen i 2007, Samisk Kunstnersenter og Kunstbanken på Hamar i 2008.

Se kunstnerens webside: www.siriogatle.no

Siri BerqvamSiri BerqvamSiri Berqvam


MA Visual Art KHiO 2009: Kjersti Nordskar
HYPO

6. juni - 21. juni 2009

Velkommen til åpning lørdag 6. juni kl. 12.00.

Utstillingen består av malerier og tekst. Bildene, samt noe av teksten er hentet fra en salgskatalog for utstillingsmateriell.
Marie lang blond, Ferskenblomstkvist, Grønt gress, Kråka, Surfer´n og Iglo er noen av objektene.
P l e a c e,  n o o n,  00/00 og h y p o er eksempler på tekstene.
Bildene er malt med akryl på lerret og varierer i størrelse, store og små, fra 30 cm. til 2-3 meter.

Motivene fra dette kunstige livet, er ønsket å gi en verdi og en egen eksistens. I håp om å finne noe, gi noe, skape nytt liv. Med sine mangler er objektene en kopi av det levende, i sitt fravær av naturlig liv, minner de oss om det.

Hypo-pref (gr`under)-, nedsatt, lettere form av, mangel av.

Der noe mangler oppstår det lett noe nytt.
I mangel av et virkelig liv, kan det skapes en ny virkelighet.

Fortellinger om liv vil oppstå. Det kan være historien som allerede finns, historien jeg forteller deg eller den historien du selv skaper.
Dekorasjon eller kunst, maleri eller fortelling, levende eller kunstig. Alle har sin historie, alt har sin virkelighet og bærer en fortelling, mer enn det vi kan se.

I tro på det lille, det som er vanskelig å få øye på, eller på det som mangler helt.

P l e a c e

VITA:
Kjersti Nordskar. Født 1964. Bor og arbeider i Oslo.
Utdannelse:
2005-2009:  Master i kunstfag. Fakultet for visuell kunst. Kunsthøgskolen i Oslo.
2001-2005:  Bachlor i kunstfag. Fakultet for visuell kunst. Kunsthøgskolen i Oslo.
1999-2001:  Asker Kunstskole

Les mer på www.kunstfag.no

MA Visual Art KHiO 2009: Kjersti Nordskar

Photo: Laila Meyrick

MA Visual Art KHiO 2009: Kjersti Nordskar

Photo: Laila Meyrick

MA Visual Art KHiO 2009: Kjersti Nordskar

Photo: Laila Meyrick

"Pleats and Folds 4" Video work

Clare Thornton
PLEATS & FOLDS

16. april - 29. mai 2009

Velkommen til åpning torsdag 16. april kl. 19.00

Soft galleri er stolt over å kunne presentere en separatutstilling av den engelske kunstneren og kuratoren Clare Thornton.

Thornton viser en helhetlig installasjon som består av tekstil, skulptur og video. Arbeidene er utledet av et residency-opphold ved Arnolfini Art Center i Bristol, der kunstneren gjennom empiriske studier har samlet private historier og objektrelaterte minner fra byens eldre lokalbefolkning. Relasjonell kunstpraksis kjennetegner og legitimerer Thorntons kunstpraksis, der prosjektene utledes og avhenger av andre menneskers deltagelse.

Tilsvarende en sosiologs arbeidsmetode arbeider Thornton med utgangspunkt i en form for sosiokulturell samfunnsanalyse. Med kunstneriske virkemidler transformerer og materialiserer kunstneren enkeltindividers historier til et visuelt billedspråk. Skjulte og private livserfaringer gis nytt liv og løftes frem som tilgjengelige, men også abstraherte tablåer for refleksjon. Grunnlagsmaterialet for kunstprosjektet er hentet fra ordinære menneskers liv, og gis tilbake til samfunnet og til kunstpublikumet som et spisset budskap. Tilsvarende en poet, en komponist eller forfatter er Thorntons formål å understreke den historie og tidsånd vi alle er produkter av og deltagere i. Dette gjør hun ved å sirkle inn enkeltmenneskets tilstedeværelse og betydning. Ved å bevege seg i et mikro/makro-spenn, gis individet og dets livserfaringer representativ funksjon og universell betydning.

Hovedverket i utstillingen er et barokkinspirert pipekrave-objekt. Objektet kan anses som et distinkt symbol og bærer av tunge referanser til særlig den europeiske kulturhistorie. Pipekraven, som isolert sett er et vakkert visuelt objekt, tilskrives likevel en tradisjon som peker tilbake til en klerikal og borgerlig maktæra der fattigdom og undertrykkelse preget samfunnets øvrige forhold. I Thorntons regi er objektet behengt med sølvamuletter, noe som på et metaplan representerer de individuelle historiene kunstner selv har akkumulert i sine studier og som utstillingen for øvrig består av.

Clare Thornton definerer sitt kunstnerskap som interdisiplinært og samarbeidsbasert. Hun jobber sjangeroverskridende med visuell, performativ og håndverksbasert kunst, og får brukt sin utdannelse innen performance, teater og kostymehistorie, litteratur, film og tv-studier. Hun er vært involvert i deltagerbasert og medialt overskridende kunstpraksiser i 10 år; som kunstner, kurator, og produsent for kunst happeninger, gallerier, kulturorganisasjoner og lokalsamfunn både i Storbritannia og internasjonalt. I Norge er hun kjent fra blant annet utstillingen ”Home and Away / Hjemme og borte” ved Union Scene i Drammen og Internasjonalt Kultursenter og museum i Oslo, og utstillingen ”Hardcore soft” som turnerte i Norge med Najonalmuseet for Kunst, Arkitektur og Design i 2006.

Clare Thornton bor og arbeider i Bristol og Oslo. Hun har en mastergrad i teaterstudier med design, engelsk litteratur med film og TV fra Universitetet i Glasgow i 1992, samt klassiske ballettstudier.

Utstillingen åpnes av billedkunstner Ebba Moi, kjent fra blant annet prosjektet New Meaning.

Utstillingen er støttet av Norsk kulturråd og Arts Council of England.

Clare Thornton

“Pleats and Folds 2” Book work, shelf and step

Clare Thornton

Installation View

Clare Thornton

“Pleats and Folds 3” Ruff collar decorated with glass bobbins and silver charms

Clare Thornton

Ruff collar object and flesh tone curtain

Clare Thornton

“Pleats and Folds 2” Book work

Clare Thornton

Cello case and flesh tone curtain


CULTEX
Japan og Norge, innovativ krysning i samtidige tekstile kunstpraksiser

Kunstnerpresentasjoner og paneldebatt Kunstnernes Hus, Akademirommet, 1. april, kl. 19.00 – 21.00

Kunstnernes Hus, Akademirommet, 1. april, kl. 19.00 – 21.00

SOFT galleri/NTK og Punkt Ø inviterer til kunstnerpresentasjoner og paneldebatt i forbindelse med lanseringen av CULTEX. En serie presentasjoner av de japanske og norske kunstnernes erfaringer følges av en paneldiskusjon der deltagerne i prosjektet diskuterer det flerårige, eksperimenterende samarbeidet. Resultatet av samarbeidet stilles ut på Galleri F15, med utstillingsåpning den 4. april.

I panelet:
Machiko Agano, professor i tekstilkunst
Yuka Kawai, ass. professor i tekstilkunst
Kiyonori Shimada, professor i tekstilkunst
Keiko Kawashima, prosjektkoordinator og daglig leder GalleryGallery, Kyoto
Anniken Amundsen, tekstilkunstner
Gabriella Göransson, tekstilkunstner
Eva Schjølberg, tekstilkunstner

Ordstyrer:
Lesley Millar, professor i tekstil kultur, University for the Creative Arts, UK og kurator for CULTEX
Det er åpent for spørsmål og innspill fra salen.

CULTEX vises i Galleri F15 i perioden 4. april til 31. mai, og utenfor i hagen frem til 2. august. CULTEX skal turnere Storbritannia i 2010 og Japan i 2011.

Nærmere informasjon om prosjektet:
De seks kunstnerne i CULTEX har arbeidet i tre transnasjonale par, og undersøkt ulike praksiser i forståelsen av form og struktur innen japansk og norsk tekstilkunst. Formålet med en slik tett samarbeidsform, der to og to kunstnere utvikler felles prosjekter, er basert på å skape en kontekst der nære relasjoner skaper forståelse for så vel sosiokulturelle som kunstneriske, materialmessige kunstpraksiser.

Hver kunstnerduo er satt sammen av kurator Lesley Millar. Etter grundige undersøkelser av hver deltagers kunstneriske praksis, der blant annet materialbruk, teknisk kompetanse, konsept og kontekstualisering er anvendt som vurderingsparametere. Hensikten har vært å bringe sammen relevante, men likevel differensierte metoder innen hver kultur og hvert kunstnerskap.

Utvekslingen har foregått på engelsk, et språk som verken de japanske eller norske kunstnerne anvender som sitt morsmål. Det å forholde seg til hverandre gjennom et, for begge parter, fremmedspråk har gitt samarbeidet en spesiell undertone der selve arbeidet med de kunstneriske prosjektene har dannet grunnlaget for forståelse og kommunikasjon. Innen de tre duoene har de seks anerkjente kunstnerne undersøkt og forsket seg frem til dikotomiske
kreative prosesser, der kulturell identitet og hver kunstners etablerte kunstneriske praksis er utfordret.

Samarbeidsformens spennvidde, der kryssende og divergerende kulturelle referanser har skapt friksjon og utfordringer, har resultert i oppsiktsvekkende og gjennomarbeidede verk. Disse presenteres ved Galleri F15 i perioden 4. april til 31. mai.

Presentasjonen og paneldebatten på Kunstnernes Hus gir en unik mulighet til førstehåndsinformasjon fra de japanske og norske kunstnerne. Debatten vil omhandle de erfaringer samarbeidet har medført. Kurator vil også bidra med sine erfaringer rundt prosjektet, samt presentere billeddokumentasjon av de ferdigstilte verkene.

Machiko Agano og Kiyonori Shimada er to av de fremste tekstilkunstnerne innen japansk, samtidsorientert tekstilkunst. De er begge innkjøpt av museer og sentrale samlinger i Japan, Storbritannia, Australia og USA. Deres, samt Yuka Kawais arbeider, vises for første gang i Norge i forbindelse med presentasjonen av CULTEX.

Lesley Millar er leder for The Anglo Japanese Textile Research Centre og har vært kurator for flere omfattende, turnerende utstillinger av japanske tekstilkunstnere internasjonalt.

Se også link: http://www.cultex.org/

Arrangementet på Kunstnernes Hus er støttet av Norske Tekstilkunstnere og SOFT galleri, og er utviklet i samarbeid med Galleri F15 og kurator Lesley Millar.

CULTEX er støttet av:
Norsk kulturråd, Punkt Ø/Gallery F15, Office for Contemporary Art Norway (OCA), Norske
Kunsthåndverkere (NK), Utenriksdepartementet (UD), Den norske ambassaden i London,
Den norske ambassaden i Tokyo, Billedkunstnernes Hjelpefond (BKH), Vederlagsfondet,
Chunichi Inadomi Fondet, UNIFOR – Universitetet i Oslo, University for the Creative Arts,
UK og Skandinavia-Japan Sasakawa Stiftelsen.

Med vennlig hilsen,
Janicke Iversen,
daglig leder,
Norske Tekstilkunstnere og SOFT galleri

When the dawn grows green

Bjørn Båsen
THE GREEN ROOM

26. februar - 5. april 2009

Velkommen til åpning torsdag 26. februar kl 19

SOFT galleri inviterer til åpning av Bjørn Båsens separatutstilling der den nye installasjonen The green room vises. Installasjonen består av tre verk i forlengelse av hverandre; maleri, skulpturmaleri og skulptur.
Maleriet portretterer et skogslandskap, med klare røtter til 1800-tallets skogsskildringer. Det romantiske scenarioet viser et tjern med en omkransende skogslignende masse. Landskapet bærer tegn av å være åstedet for en uangripelig hendelse. Skulpturmaleriet fortsetter i samme spor, og skildrer igjen et åsted blant mose og bar. Maleriet har her blitt et frittstående objekt med tredimensjonale elementer. Skulpturen avslutter åstedsskildringen, men nå i form av et møbel. Skulpturen er utformet som en baldakinformet seng, dandert i slør, silke, pels og brokade. Objekter og sengeklær har smeltet sammen og danner et landskap i grenselandet mellom møbel og tablå. 
Verket er inspirert av de gjennomarbeidede ”showrooms” med folkekunst elementer (”faux primitif”) som ble laget til verdensutstillingene rundt 1900. En kombinasjon av datidens moderne, siviliserte samfunn og dets romantiske ide rundt det dyriske og primitive formspråket fra bondestanden. Men i stedet for å være et værelse som venter på å bli bebodd, bærer The green room preg av å ha vært et åsted for noe uangripelig og forstyrrende. Et åsted presentert i tre forskjellige versjoner.

Bjørn Båsens kunst sirkler rundt en personlig mytologi han har konstruert i løpet av de siste årene. Mytologien er basert på en forfallen og dekadent verden hvor han benytter verkene sine til å belyse enten kunsthistoriske tradisjoner eller adelen og borgerskapets pompøse bruk av ferniss og seremonier.

Bjørn Båsen, født 1981, bor og arbeider vekselvis i både Oslo og Eggedal. Han har mastergrad fra Statens kunstakademi i Oslo i 2007 og bachelorgrad fra The Arts Institute of Bournemouth i England i 2004. Arbeidene hans er vist på blant andre Astrup Fearnley Museet, Galleri Brandstrup og Stenersen Museet. Han er innkjøpt av Astrup Fearnley museet og av Statoil Hydros kunstsamling for å nevne noen.

Bjørn Båsens utstilling, ”The Green Room”,  er anmeldt i Morgenbladet av Line Ulekleiv.

Bjørn Båsen

Remnants of an unsuccessful escape

Bjørn Båsen

When the dawn grows green

Bjørn Båsen

The bashful never goes empty-handed

Nesten, 2008, 150x96cm

Inga Blix
15 BOKSTAVER / 15 LETTERS

15. januar - 15. februar 2009

Velkommen til åpning torsdag 15. januar kl 19

SOFT galleri inviterer til åpning av Inga Blix’ separatutstilling 15 BOKSTAVER / 15 LETTERS, der fire nye veggtepper vises. Blix undersøker i sine seneste verk bokstavenes formmessige uttrykk i sammenheng med deres betydning, eller mangel på betydning. Kunstneren tar for seg ord som tilsynelatende ikke er visuelt billedskapende eller meningsladete, men som til gjengjeld skaper språklig bevegelse og brudd. Arbeidene er konseptuelt basert, altså tuftet på idé, men innehar samtidig sterke håndverksmessige og estetiske kvaliteter. Verkenes motiv og titler smeltes sammen og presenteres for betrakter som verbale påstander om; NESTEN, NOK, PLUTSELIG og VARM.

Med bokstaver og ord som billedelementer er Blix påvirket av graffitiens bruk av tekst som bilde. Arbeidene knyttes også til bruk av tekst som element hos tekstilkunstens historiske forløpere, som eksempelvis referanser til tidligere arbeider av Hanna Ryggen og Synnøve Anker Aurdals billedvever. Tekstbaserte uttrykk har, særlig i etterkrigsmodernismens tidsæra, hatt en sentral plass i den vestlig orienterte billedkunsten. Som sjangeroverskridende fenomen mellom det litterære ord og det visuelle motiv har tekstbasert billedkunst etablert seg som en egen retning der også Blix’ seneste arbeider skriver seg inn. 

De fire billedteppene kan betraktes enkeltvis, eller i sammenheng. Ulike betydninger oppstår ut fra rekkefølgen man leser dem i. Det visuelle uttrykket er tekst, materialet er tekstil. Blix bruker teknikken applikasjon, der biter i ullstoff klippes ut, komponeres og sys sammen for hånd. Hver nyanse er møysommelig innfarget av kunstner på forhånd. Arbeidene representerer tradisjonsrikt håndverk i kombinasjon med samtidsorientert konseptualisme. Her møtes avansert tekstilteknikk og street art-referanser i kraftfull og effektiv sameksistens.

Inga Blix (f.1956) bor og arbeider på Hamar. Hun har sin kunstutdannelse fra Kunsthøgskolen i Bergen, diplom tekstil i 1983 og fra California College of Arts and Crafts i 1982. Hun har stilt ut i Norge og utlandet, og deltatt på flere utstillinger i Japan med tekstiler i shiboriteknikk.  Blix har også laget flere utsmykkinger, og er innkjøpt av blant annet Norsk kulturråd.

Inga Blix

Nok (Enough), 2008, 151x141cm

Inga Blix

Varm (Warm), 2008, 185x100cm

Inga Blix

Plutselig (Suddenly), 2006, 207x127cm


Bente Sætrang
2 FLAK

16. oktober - 7. desember 2008

Velkommen til åpning torsdag 16. oktober kl 19

Vi har gleden av å presentere Bente Sætrangs separatutstilling 2 FLAK der hun viser to helt nye tekstile verk. Bente Sætrang er en av Norges mest markante tekstilkunstnere, og hun er også anerkjent og prisbelønnet internasjonalt.

Bente Sætrangs kunstnerskap følger i hovedsak to hovedspor. Det ene sporet er illusjonistisk og kommenterende, og resulterer ofte i politiske og innholdsladede verk. Det andre sporet er basert på geometriske undersøkelser knyttet opp mot tekstile teknikker, matematiske grublerier og abstrakte uttrykk. Hun er kanskje mest kjent for sine malte draperier på gamle og slitte presenninger. Til utstillingen på SOFT galleri har hun fulgt det geometrisk baserte sporet.

Teknisk sett arbeider Sætrang med trykke-, tegne- og maleteknikker direkte på tekstile materialer som for eksempel seilduk og presenning. Hun trykker og maler i flere lag for så å slipe ned felt for felt, slik at de første lagene blir synlige. Slik oppnår hun en flate som er levende og romlig og som gir betrakteren mye å se på og en opplevelse som vokser underveis.

På SOFT galleri presenterer hun to nye, store tekstile flak. Materialet er gamle presenninger. Det ene arbeidet kalt ”(re-) construction” måler 280 cm x 283 cm og virker som et blikkfang med sine lysende, sterke farger i gulgrønt, rosa og blått. Komplementært til dette er det andre arbeidet kalt ”construction (-site)” som måler 250 cm x 250 cm og som fargemessig er mørkere i blåtoner opp mot svart. Det er to selvstendige arbeider som står i dialog med hverandre, og som kan oppleves som et utsnitt, et flak, tatt ut av en større sammenheng.

I mer enn tretti år har Bente Sætrang arbeidet med å undersøke tekstilkunstens grenser og mulighetene til å overskride dem. Ved å kombinere male – og trykketeknikker og å gjøre forholdet mellom dem utydelig, bryter Bente Sætrangs tekstile malerier ned tradisjonelle skillelinjer i kunsten. Og i billedteppene sine formulerer hun stadig nye spørsmål, som det om forholdet mellom det personlige og det politiske i kunsten, og om forholdet mellom våre felles kulturelle verdier og en kjønnet subjektivitet. 
- Jorunn Haakestad

Bente Sætrang har sin utdannelse med diplom fra tekstillinjen på Statens håndverks- og kunstindustriskole i Oslo (nå Kunsthøyskolen i Oslo) i 1973, samt fra Kunstakademiet i Poznan, Polen i 1974. Hun har deltatt på mange kollektivutstillinger og hatt en rekke separatutstillinger; blant annet i Kunstnerforbundet, samt den retrospektive utstillingen ”Bente Sætrang - mønster - mening - minner” initiert av Vestlandske kunstindustrimuseum og Kunstindustrimuseet i Oslo, 2003 – 2004. Flere samlinger har kjøpt inn hennes kunst, blant andre; Museet for samtidskunst, de 3 norske kunstindustrimuseene og Victoria & Albert Museum. Hun ble tildelt Nasjonalmuseets pris på tekstiltriennalen ”Textile 07” i Kaunas, og fikk sølvmedalje på den 11. internasjonale tekstiltriennale i Lodz, Polen i 2004. Bente Sætrang ledet tekstilinstituttet som professor ved Statens Høgskole for Kunsthåndverk og Design (nå Kunsthøgskolen i Bergen) fra 1987 – 1993.

Bente SætrangBente SætrangBente Sætrang


Lise Bjørne Linnert
DESCONOCIDA UNKNOWN UKJENT

21. august - 5. oktober 2008

Workshops tirsdag 26. august og tirsdag 9. september kl 19 – 21. Velkommen!

Last ned invitasjon til workshop (pdf)

Utstillingen er en rominstallasjon bestående av foto, video, tekstil og stasjon for workshops.

Kunstneren vil holde en stemme-performance på åpningen. 

Hundrevis av kvinner er torturert, voldtatt og drept i grensebyen Juàrez i Mexico. Mens amerikanske merkevarefabrikker profitterer på billig arbeidskraft, drar fattige kvinner til den tungt belastede grensebyen for å arbeide med livet som innsats. Etter 15 år fraholder fortsatt mexicanske myndigheter å etterforske saken. USA har tilbudt assistanse, men Mexico avviser tilbudet og dysser ned mordene til et ikkeeksisterende fenomen. Journalister, aktivister og ofrenes familier blir forsøkt truet til stillhet.

Lise Bjørne Linnert gir derimot denne mennesketragedien en stemme gjennom sitt kunstneriske prosjekt. Ofrenes navn løftes frem i lyset ved brodering av små navnelapper. Broderi- workshops arrangeres verden over og i relasjonell samhandling viser deltagerne i Linnerts prosjekt global solidaritet. 700 mennesker i 22 land har deltatt til nå. Hver deltager broderer navnet til en drept kvinne i Juàrez på en navnelapp, samt ordet ukjent på sitt eget språk og alfabet for å minnes alle de ofrene vi ikke kjenner navnet til. Antall broderte navnelapper stiger stadig og teller per i dag snart to tusen stykker. 

Dette prosessrelaterte prosjektet, som kan forstås som en stillfaren protest mot kvinners undertrykkelse i flere av verdens samfunnskulturer, presenteres med dette for første gang i Norge. Desconocida Unknown Ukjent har tidligere vært vist ved Station Museum of Contemporary Art i Houston, USA og ved Luleå Sommer biennale i Sverige i 2007, der prosjektet vant en av biennalens to priser. Installasjonen skal neste år vises ved en internasjonal vandreutstilling i regi av UNESCO og ved Farleys Yard Gallery, Lee Miller and Roland Penrose Estate i Sussex, UK.

Utstillingen på SOFT galleri viser det politiserte broderiarbeidet i form av et dokumentasjonsprosjekt; gallerirommet inntas av foto, videoarbeid, tekst, arbeidsstasjon for workshops og performance. 

Det vises to videoarbeid i utstillingen: 

Missing young women av Lourdes Portillo. Dette er en prisbelønt dokumentarfilm om kvinnemordene i Ciudad Juàrez produsert i 2001. Lourdes Portillo er opprinnelig meksikansk, men bosatt i USA. Hun brukte 3 år på å lage filmen. 
Threading Voices er laget av Lise Bjørne Linnert og Jose Ferreira i 2008. Deres dokumentarfilm fokuserer på det forebyggende og sosiale arbeidet Marisela Ortiz Rivera og organisasjonen Nuestras Hijas de Regreso a casa utfører i Ciudad Juarez. Et utrettelig arbeid basert på en sterk tro på hvert enkelt individs egen styrke og utviklingsmuligheter, gitt at individet blir sett og anerkjent. 

Lise Bjørne Linnert, født 1964, bor og arbeider i Oslo. Hun har sin kunstutdannelse fra Glassell School of Art, Museum of Fine Arts MFAH, Houston, USA. Hun har stilt ut arbeidene sine kollektivt og separat i Norge, USA og flere andre land. Blant annet utstillingen White Noise på Kunstbanken på Hamar i 2007.

Det avholdes workshops tirsdag 26. august kl 19 – 21 og tirsdag 9. september kl 19 – 21.
Velkommen!

Prosjektet er støttet av:
Norsk kulturråd
Kaja og Bårds Fond for Gode Formål, Oslo, Norge
The Station Museum of Contemporary Art, Houston, Texas, USA
Perlehuset A/S, Oslo, Norge
Arctic Paper Norge A/S

Lise Bjørne LinnertLise Bjørne LinnertLise Bjørne Linnert

Marte Røed Hørbarhet En gang lette jeg etter tegn. Lyttet etter hemmelige meldinger. Barn er spirituelle vesener. Jeg hadde nesten glemt det. Alt jeg visste. Det er som alt holder en hemmelighet, i sin rytme, sitt mønster. Fortellingen er der bare, henger i luften, gror i trærne, venter ikke på at du skal høre etter, er der hele tiden, blir fortalt kontinuerlig. Av togene, kråkene, veiene, heisene. Verket består av installasjon med knappenåler montert direkte på vegg. Marte Røed fullførte masterstudiet vår 2008.

Studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen
SOMMERUTSTILLING

30. mai - 2. august 2008

Vi har i år invitert Master- og bachelor- studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen til å stille ut på vår sommerutstilling. Utstillingsperioden er delt i to:
Marte Røed, Bodil Gerber, Hilde K. Frantzen: 30. mai til 15. juni.
Helene Horvei Mæhle, Ane Woll Godal, Anneli Sivertsen: 17. juni til 2. august.

Studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen

Bodil Gerber
Occhi
Håndverksteknikker er gode utgangspunkt for nye uttrykk. Etter å ha lært seg det tekniske, kan man gjennom undersøkelser og eksperimenteringer oppleve at noe nytt og annet oppstår, - både i innhold og estetisk uttrykk. Inspirasjon til denne måten å arbeide på får jeg både gjennom folkekunstens frodighet i form og dekor, tidligere tiders handverksglede og generasjoners overleverte kunnskap. Jeg ønsker å hedre gammelt handverk ved å ta det med inn i en kunstkontekst. Det handler om tid, om å hente frem noe fra en svunnen tid, - om å bevare og beskytte. Jeg ønsker å åpne for noe nytt, noe annet - en transformasjon og forandring, - over tid.

Verket er en kombinasjon av tredimensjonal skulptur som forholder seg til rommet mellom tak og gulv og vegg, og todimensjonale objekter på vegg. Teknikken er nuperelle i viskosetråd kombinert med ståltråd som bærende konstruksjonsmateriale.

Bodil Gerber fullførte masterstudiet vår 2008.

Studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen

Hilde K. Frantzen
Hilde 35
Det finnes ingen garantier for noe som helst i framtiden. Hva som helst kan hende når som helst. Hvis man kunne velge hvem man vil være i framtiden, hvem ville man være? Jeg har iscenesatt meg selv i 2017. Gjennom kostymer, “skuespillere”, broderi og tekst forteller jeg historien om Hilde 35.

Verket består av fotografier montert på vegg.

Hilde K. Frantzen fullførte bachelorstudiet vår 2008.

Studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen

Helene Horvei Mæhle
Smerte og behag
- Kontraster og likheter knyttet til kropp/følelser.
“Smerte er privat og enestående, noe vi er alene om og ikke fullt ut kan formidle. Men smerte er samtidig en fellesmenneskelig erfaring, noe vi kan leve oss inn i, og identifisere oss med” (Kraft 2004:304)
Gjennom broderi og trykk på objekter som gir klare assosiasjoner til hjemlige, koselige og trygge, ønsker jeg å sette fokus på det smertefulle og behagelige. Er de så forskjellig? Jeg mener at det er opplevelsene i livet som gir innhold, om de er positive, negative, smertefulle eller behagelige. Alle sider av livet er like viktig for å skape kompleksitet.

Helene Horvei Mæhle fullførte bachelorstudiet vår 2008.

Studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen

Ane Woll Godal
Prosjektet handler om møte mellom tekstil og kropp og en stor fasinasjon over draperi og linjer. Når det kommer til min interesse for tekstil på kropp handler det ikke om klær, men om hvordan sjalet henger over skuldrene, eller legger seg om halsen; hvordan skjørtet beveger seg når man går, og legger seg når man sitter. Dette er flyktige øyeblikk som forsvinner, derfor har jeg vært på jakt etter måter å fange dem på og linjene har vært med på akkurat det.

Teppet er vevd på digital vev.

Ane Woll Godal fullførte bachelorstudiet vår 2008.

Studenter fra Kunsthøgskolen i Bergen

Anneli Sivertsen
Bekkeblom
I mitt eksamensprosjekt Bekkeblom har jeg forsøkt å nærme meg denne blomstens form, farge og omgivelser. Jeg har gjennom silketrykk villet forene menneske og natur, gjennom å manipulere og forsterke naturens egne uttrykk. Blomster og repetisjoner gjenspeiler identiteten i prosjektet. Fargevalget er og en viktig del identiteten min. Inspirasjon til form og fargebruk kommer fra barndomsminner jeg har fra hjemplassen min; kyst og fjordstrøkene i Indre Billefjord, Porsanger kommune i Finmark.

Verket består av stofftrykk på bomullsstoff montert på plater som er installert på vegg og gulv.

Anneli Sivertsen fullførte bachelorstudiet vår 2008.


May Bente Aronsen
UTEN TITTEL MED SIRKLER

3. april - 11. mai 2008

Vi har den glede av å invitere til åpning av separatutstilling med et helt nytt tekstilverk av May Bente Aronsen. I oktober 2007 mottok May Bente Aronsen ”The Nordic Award in Textiles 2007” som er Nordens største tekstilpris, med påfølgende separatutstilling i tekstilmuseet i Borås. I 2000 ble hun tildelt Kunsthåndverkprisen.

May Bente Aronsen skaper monumentale tekstilarbeider som er både romlige og tredimensjonale. Utgangspunket er materialene ullfilt og polyesterduk og geometriske former. Nøyaktig og presist skjærer Aronsen ut former av tekstilmaterialet. Disse bruker hun som moduler som hun setter sammen til store relieffer. Teknikken er kunstnerens egen, den har hun utviklet og perfeksjonert over flere år, og hun klarer med den å skape markante tekstile verk i stor skala med sin egen tydelige signatur. I det siste har hun bygget opp arbeidene av lameller som blir hengt opp med et visst mellomrom og dermed kan hun gå lenger i sin eksperimentering med optiske virkninger; er man tett på kan man se igjennom tekstilen, er man lenger unna fremstår flaten som hel med geometriske former. På SOFT viser May Bente Aronsen et helt nytt verk bygget opp av utskårete lameller. Det vil henge fritt i gallerirommet og besøkende kan bevege seg rundt og se det fra alle vinkler.

Genom sina monumentala textilreliefer intar May Bente Aronsen med självklarhet rummet – och förändrar det. Hennes känsla för materialet och tidskrävande manuella precisionsarbete leder henne över visuella gränser till en nyskapande konst med oanad spännvidd. Ljus och skugga medagerar i ett ständigt växelspel, där rytmen över veckade och perforerade ytor bryts i en väl behärskad föreställning.

Marianne Erikson

May Bente Aronsen er født i 1962 i Nordland og er nå bosatt i Oslo. Hun har sin utdannelse fra tekstillinjene fra Kunsthøgskolene i Bergen og Oslo med hovedfag fra Kunsthøgskolen i Oslo i 1991. May Bente Aronsen er en svært aktiv og synlig tekstilkunstner, både i utstillingssammenheng og utsmykkingssammenheng, i inn og utland. Hun er representert i flere offentlige samlinger bla. alle landets tre Kunstindustrimuseer. Man kan også se hennes kunstverk på Litteraturhuset i Oslo der hun leverte en stor utsmykking i høst. Aronsen jobber for tiden med enda et nytt og stort utsmykkingsprosjekt for Stockholm Rådhus og deres nye rettssaler.

May Bente AronsenMay Bente AronsenMay Bente Aronsen


Jorunn Irene Hanstvedt
TRETUSENOGÅTTISYV KRIGER

12. januar - 17. februar 2008

Jorunn Irene Hanstvedt er en billedkunstner som arbeider i flere sjangere, som skulptur, installasjoner og fotografi. De seneste årene har hun konsentrert seg mest om fotografi som uttrykksform og det er også dette mediet hun som kunstner er mest kjent for.

På SOFT viser hun en ny installasjon laget spesielt for denne utstillingen. Den består av et stort objekt; en håndsydd og håndbrodert, tredimensjonal jordklode liggende på gulvet, samt en artist book.

Utgangspunktet for arbeidet hennes er fascinasjonen over å se fotografi av jordkloden sett fra verdensrommet, se planeten fra utsiden og spørre seg ”hva gjør vi mennesker her?”.

På SOFT er jordkloden tatt ned på gulvet, gitt en menneskeliknende størrelse og sydd inn i beskyttende, vattert ullstoff. Man føler en nærhet, har lyst til å berøre den, samtidig som man står på utsiden av planeten og betrakter den. Landegrensene er brodert i fluoriserende tråd som vil funkle i omskiftende lysforhold.

Tittelen på utstillingen har Hanstvedt hentet fra det andre objektet hun viser. I boken som presenteres har hun klippet ut og klistret inn navnene på alle krigene som er kjent og skrevet ned i historiebøkene våre. Hennes foreløpige opptelling har gitt antallet 3087 kriger.

Hun sier selv: ” Så vidt vi vet er vi de eneste menneskene i solsystemet. Hva gjør vi egentlig her? Historien vår i fortid og nåtid er full av maktbegjær, konflikter, kamper, erobringer og kriger - og behov for markering av grenser. Arbeidet er ment å reflektere rundt disse eksistensielle problemstillingene.”

Jorunn Irene Hanstvedt er en svært aktiv utstiller i inn og utland, og arbeidene hennes er innkjøpt både offentlig og privat. I 1996 fikk hun PS1 Stipend til New York der hun stort sett bodde og arbeidet frem til 2003. Atelieret hennes er i dag på Ekely i Oslo. Hanstvedt var ansatt som professor 2 på Institutt for tekstil ved Kunsthøyskolen i Oslo i perioden 1997 til 2003. Hun gikk ut av Statens kunstakademi (nå Kunsthøgskolen i Oslo) i 1991. Fra før har hun diplom i tekstil og vev fra Bergen Kunst og håndverkskole (nå Kunsthøgskolen i Bergen).

Jorunn Irene HanstvedtJorunn Irene HanstvedtJorunn Irene HanstvedtJorunn Irene Hanstvedt


MANIFEST 2007
En tekstinstallasjon av Elisabeth Leinslie og Snorre Hvamen

16. desember 2007 - 1. januar 2008

Manifest 2007 er en tekstinstallasjon. Kunstmanifester projiseres på ulike flater. Og i julen 2007 er det vinduene og veggene på SOFT som står for tur. Her finner du en tidløs blanding av manifester fra en rekke avantgardebevegelser og kunstfilosofer i det forrige århundre. Ved å rive manifestene ut av sin tids horisont bruker installasjonen avantgardebevegelsenes revolusjonspoesi for å si noe om dagens kunstsituasjon.

Forfattere: Situasjonistisk Internasjonale, The Guerrilla art action group – G.A.A.G, Laurie Anderson, Hans Arp, Antonin Artaud, Philip Auslander, Hugo Ball, Marshall Bermans, Umberto Boccioni, Nicolas Bourriaud, Berthold Brecht, André Breton, Peter Brook, John Cage, Álvaro de Campos, Paul Cézanne, Edward Gordon Craig, Salvador Dalí, Tina Darragh, Gilles Deleuze, Felix Guattari, Jacques Derrida, Marcel Duchamp, Friedrich Dürrenmatt, Jean Epstein, Lucio Fontana, Julião Henning von Gärtner Blaue, Jean Genet, Johann Wolfgang Goethe, Hannah Higgins, Stewart Home, Carsten Höller, Henrik Ibsen, Wolfgang Iser, Isidore Isou, Wladimir Kaminer, Vassily Kandinsky, Tadeusz Kantor, Søren Kierkegaard, Michael Kirby, Heinrich von Kleist, La Rouchefoucauld, Fernand Léger, Hans-Thies Lehmann, Niels Lehmann, Lenin, Mina Loy, Georges Maciunas, McLuhan, F.T. Marinetti, Gustav Metzger, Vselovod Meyerhold, W.J.T. Mitchell, Laszlo Moholy-Nagy, Heiner Müller, Friedrich Wilhelm Nietzsche, Valère Novarina, Jyrki Nummi, Max Reinhardt, David Ross, Saint-Pol-Roux, Torben Sangild, Oscar Schlemmer, Anke Schleper, Susan Sontag, Gertrude Stein, Jan Løhmann Stephensen, Judith Schwarzbart, Bruno Taut, Tristan Tzara, Raoul Vaneigem, Samuel Weber, James Wierzbicki, Oscar Wilde, Robert Wilson, Richard Wagner, Stanislaw Witkiewicz, Ludwig Josef Johann Wittgenstein, Gunnar Wærness

Prosjektet er støttet av Fond for Utøvende Kunstnere


Astrid Runde Saxegaard
KRYPTO

20. oktober - 9. desember 2007

Astrid Runde Saxegaard er en billedkunstner som hovedsakelig jobber med tekstile uttrykk. Hun finner materialer til sine arbeider blant kasserte tekstiler og gjenstander fra vår forbrukskultur, og setter dem sammen til nye veggtekstiler, objekter og installasjoner. Allerede ladete objekter og materialer bearbeides og kombineres i arbeidene hennes, og nye ofte surrealistiske historier oppstår. 
På SOFT vil Astrid Runde Saxegaard presentere en mangfoldig utstilling som består av tekstile arbeider montert på vegg og hengende fritt i rommet, objekt, fotografi og video. Et av hovedverkene på utstillingen har tittelen ”Lift me up”. Det er et 5 meter langt hengende tekstilarbeid satt sammen av brukte begravelses- bånd. Det er lyst, hvitt og estetisk vakkert samtidig som materialet (begravelsesbåndene) gir et sterkt følelsesladet innhold. I visuell kontrast til dette står veggteppet ”Elg”, der materialene hun har brukt er brune, innrøykte og usofistikerte i kvalitet.
Kunsthistoriker Janicke Iversen skriver i katalogteksten til utstillingen: I møtet med hennes kunst trekkes man således inn i et mentalt assosiativt landskap som i det ene øyeblikket bringer frem velkjente og gjerne humoristiske minner fra vår felles kulturarv og egen barndom, men som i det neste forløser underliggende og langt mer foruroligende tankebilder. Vekselvirkningen mellom det gode og det vonde ligger latent.
Astrid Runde Saxegaard er født i 1968 i Volda. Hun tok hovedfag i tekstil ved tidligere SHKS, nå Kunsthøyskolen i Oslo, i 1996. Samme år debuterte hun på Høstutstillingen med arbeidet ”Naken”. Hun deltok også på Høstutstillingen i 2006.

Astrid Runde SaxegaardAstrid Runde SaxegaardAstrid Runde SaxegaardAstrid Runde Saxegaard


Caroline Broadhead
EXCHANGE OF VIEWS

25. august - 7. oktober 2007

Caroline Broadhead bringer sammen både smykkekunst, tekstilkunst og perfomancekunst i sitt kunstnerskap. I de siste årene har hun brukt klesplagget til å skape kunstneriske uttrykk rundt temaet personlig identitet, og til å avdekke kjente følelser eller sinnsstemninger som mennesker vanligvis ønsker å holde for seg selv. I de siste års arbeider bruker hun også skygger som integrerte elementer av kunstverkene.

På SOFT vil Caroline Broadhead vise arbeidet “Exchange of Views”. Verket er en forstørret gjengivelse av en blondegardin, som er bygget opp og av store mengder biter av speil. Denne typen blondegardin er veldig vanlig å finne i hjem i den delen av London som Caroline Broadhead bor. Som betrakter kan man velge hva man vil se på. Man kan velge å se på selve flaten som er bygget opp av speilbitene, eller man kan se på det reflekterte bildet; bildet av rommet og seg selv fragmentert. Med på utstillingen er også en serie grafiske trykk med tittelen “Sound of breaking glass”. Her har kunstneren trykket med en tynn glassplate som knuser i det den går igjennom trykkepressen og det er sporene fra det knuste glasset som danner tegningene i billedflaten. 

Britiske Caroline Broadhead er født i 1950, og har sin utdannelse fra Central School of Art and Design i London. Hennes kunst har markert seg tydelig internasjonalt i løpet av de siste 30 årene og arbeidene hennes er innkjøpt til samlinger i mange land; blant andre Stedelijk Museum i Amsterdam, The Museum of Modern Art i Kyoto, og Victoria og Albert Museum i London. I Norge er arbeidene hennes innkjøpt av henholdsvis Sørlandets kunstmuseum og Nordenfjeldske kunstindustrimuseum.  Kunstneren ble tildelt Jerwood Prize of Applied Arts: Textile i 1997.

Caroline Broadhead

Foto: Annar Bjørgli

Caroline Broadhead

Foto: Annar Bjørgli

Caroline Broadhead

Foto: Annar Bjørgli


Masterstudenter fra KHiO
PARADISE CITY

7. juni - 5. august 2007

6 masterstudenter fra Kunsthøgskolen i Oslo ved avdeling for Visuell kunst tar for seg ulike aspekter ved bydel sentrum generelt og kvadraturen spesielt. De vil vise nye arbeider i ulike teknikker.

Sommerutstilling med masterstudenter fra KHiO

Runa Carlsen
1. Oslo bystyre
Runa Carlsen viser installasjonen Oslo bystyre
59 folkevalgte skal representere byens befolkning i viktige demokratiske prosesser. Bystyret tar beslutninger om hvem som og under hvilke premisser det felles og offentlige rommet taes i bruk. I installasjonen Oslo bystyre benytter Runa billige materialer som henspeiler på hverdagsliv, på former man vanligvis forbinder med hjemlige tekstiler eller prøvelapper laget i formingstimene på 70-tallet.
.(JavaScript must be enabled to view this email address) / 934 05 212

Sommerutstilling med masterstudenter fra KHiOSommerutstilling med masterstudenter fra KHiO

Runa Carlsen & Karen Kviltu Lidal
3. Kappeland, Dokumentasjonsvideo
Kappeland er en live installasjon som fant sted på Youngstorget i Oslo 3.mai, 2007. Den besto av avlagte tekstiler (tepper, sengetøy, duker osv.) lagt utover plassen for en dag. 1700 kvm tekstiler ble gitt av Rådhuset, UiO, Fretex, loppemarkeder og enkeltpersoner i Oslo. Publikum kunne sette seg ned på teppene og ta byrommet og plassen i besittelse.

Sommerutstilling med masterstudenter fra KHiO

Elisabet Storhaug
4. L’Apocalypse d’Angers, T-skjorter
Utgangspunktet for arbeidet er Apokalypsen fra Anger, en billedvev fra 1300-tallet som viser Johannes Åpenbaring bilde for bilde. Storhaug har hentet ut 7 figurer som hun har laget band t-skjorter av.
.(JavaScript must be enabled to view this email address) / 996 23 347

Linda Hellevik
5. Adaption, Fotografi, 29x21 cm
6. Adaption Performance, Performance 3:00 timer
.(JavaScript must be enabled to view this email address) / 478 13 657

Sommerutstilling med masterstudenter fra KHiOSommerutstilling med masterstudenter fra KHiO


Dania Burger
WORK ON PAPER

14. april - 27. mai 2007

Dania Burgers varemerke er heklete former på papir. Hun bruker denne håndarbeids-teknikken til å lage kunstobjekter, der heklingen blir et redskap som hun tegner med. Ved et første inntrykk kan objektene minne om ornamentale tekstiler man forbinder med landsbygda og stille stuer. Men disse assosiasjonene brytes ved nærmere ettersyn. Ornamentikken tar liv, og det dukker opp overraskende former som dødningshoder og liknende urovekkende symbolikk.

Sentralt i Burgers kunstnerskap står kroppen og de kroppslige tilstander. Hun fokuserer på kropp, ofte fra en selvanalyserende synsvinkel. I de senere års arbeider bestående av amøbiske former heklet på papir, har kunstneren tematisert kroppens motsetningsforhold. De heklede formene er vakre samtidig som de assosierer til noe smittsomt og soppaktig.

På SOFT presenterer Dania Burger helt nye arbeider. Utstillingen “Work on paper” er bygget opp av fem store tegninger, fire mindre tegninger, en gardin og en tekst. Sammen danner disse elementene en installasjon. Kunstneren har brukt ornamentene fra en gardin som inspirasjonskilde for tegningene, og hun presenterer en fortelling i form av en tekst som viser betrakteren vei inn i installasjonen. I denne utstillingen lar Dania Burger heklingen ta nye og intrikate former. Hennes sammensetning av materialer, farger, form og ulik utførelse åpner opp for assosiasjoner og betrakterens frie tolkning.

http://www.daniaburger.com/

Foto: Vegar Moen

Hanne Friis
INSIDE OUT AND ROUND AND ROUND

3. mars - 1. april 2007

Hanne Friis balanserer mellom det dekorative og det kroppslige i sine tekstile objekter. Assosiasjonene er mange og går i ulike retninger. De unndrar seg imidlertid en hver form for gjenkjennelse og forblir kun seg selv. Ved hjelp av håndsøm og foldeteknikker bearbeides det i utgangspunktet lette materialet til kompakte, organiske former. Verkene har et barokt og sanselig preg, der materialet blir til en myk masse som frister til berøring. Samtidig kan objektene hennes virke frastøtende i sitt påtrengende nærvær. Sentralt i Hanne Friis kunstnerskap står motsetningspar som orden-kaos, skjønt-groteskt, naturlig-kunstig, innside-utside, positiv-negativ.

På SOFT viser Friis tekstile objekter der den nye skulpturen ”Inside out and round and round” er laget spesielt for SOFTs lokaler. Hun presenterer også helt nye foto som relaterer til de tekstile objektene. Felles for arbeidene er at de kan oppleves som enkle og direkte, samtidig som de er komplekse i sitt uttrykk.

www.hannefriis.com

Hanne Friis

Foto: Vegar Moen

Hanne Friis


Mija Renström
SIRENERS SANG

6. januar - 18. februar 2007

Mija Renströms kunstnerskap utforsker og stiller spørsmål til strukturer. Hun bryter dem ned og bygger dem opp på nye måter. Med et kritisk og analytisk perspektiv tar hennes verk utgangspunkt i identitetsskapelse. Hennes heklede duker bryter seg fri fra sine forutbestemte mønstre og omtolker det kvinnelige kunsthåndverket. Som et opprørerisk virvar unndrar de organiske, heklede objektene all form for begrensning. De unndrar seg all form for kategorisering, navngiving og innordning. Formløs og ubestemt som en amøbe antar objektene hennes nye former i ulike rom.

På SOFT viser hun verket “Sireners sang”. Hun benytter seg her av farget lys som blander seg med dagslyset. Lyset i utstillingsrommet befinner seg i stadig forandring når dagslyset blandes med det kjølige blå neonlyset. Mystisk og forførende lokker hennes heklede objekt betrakteren inn i rommet, som en syngende sirene.

Utstillingen er gjennomført med støtte fra OSRAM AS.

http://www.mijarenstrom.com/


Anne-Gry Løland
REKONSTRUERT LANDSKAP

18. november – 17. desember 2006

“Det vakre i det uperfekte”
Bygge opp og rive ned er stikkord Løland har benyttet seg av for å få frem forholdet mellom skjønnhet og ødeleggelse i det monumentale arbeidet “Rekonstruert landskap”. Mønstre oppstår og forsvinner, for så å mutere og skape nye mønstre.
“Eg er opptatt av det forgjengelige, det som forsvinner. Eg vil få fram eit skjørt uttrykk, der ein kan få inntrykk av at tekstilen går i oppløysning. Den fysiske tekstilen som står att kan virka tilfeldig og ustyrelig, mens skyggen på veggen er konkret og tydleg. Den skapar rom og dybde i arbeidet.”

Lølands arbeid vakte oppsikt på avgangsutstillingen i Bergen og ble innkjøpt av Norsk kulturråd, en uventet heder for en debutant.

Styreleders introduksjon til utstillingen:
Når vi nå har invitert Anne-Gry Løland som Softs første utstiller er det fordi vi opplever Lølands arbeider som sterke og nyskapende, som en utfordrende stemme, men også fordi de berører sanser med sin emosjonelle vakkerhet.

I hennes arbeider finnes en tilbakeholdenhet. Vi aner at så mye er borte. Vi ser fragmenter som står igjen, ett nettverk av små biter som holder det hele sammen. Disse små bitene, har de falt ut av en helhet, eller er de kanskje alt som er igjen av en helhet…? Løland sier selv at hun er opptatt av tekstilens mange lag, også de immaterielle aspektene. Hun søker at mønsteret oppleves som ukontrollerbart, at det skal erfares med hele kroppen. Og for meg ser det ut som hun har lett seg frem til et punkt der hun får verket til å åpne seg, mot referanser, historier, poetikk. Det gåtefulle, men også det faktiske. For det ligger en fysisk tyngde i måten verket sprer seg ut på, skyggespillet illuderer letthet, men vi aner tilstedeværelse av en masse.

Det er et arbeide som entrer rommet på flere nivåer. Da er det fint å ha Anne-Gry Løland som første utstiller på Soft, som også skal entre et rom.

Anne-Gry Løland


TRIENNALE 06
tekstil-fiber-lær

9. september – 8. oktober 2006

Utstillingen var arrangert av Norske Kunsthåndverkere og ble vist i Oslo Kunstforening og SOFT. Av utstillingens 53 kunstnere totalt viste 6 kunstnere arbeider i SOFT: Siri Berqvam, Lillan Eliassen, Tonje Kristensen, Anne Lene Løvhaug, Janne Nes og Sidsel Palmstrøm.
Online utstillingskatalog er tilgjengelig på http://www.triennale.no/2006/

Fotograf Anders Rubing

Borghild Rudjord Unneland
Alt venter

12. mai – 12. juni 2011

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning torsdag 12. mai kl. 19.00. Utstillingen åpnes av forfatter Pål Gitmark Eriksen.

SOFT galleri presenterer Borghild Rudjord Unnelands første separatutstilling i Oslo. Kunstneren inviterer publikum inn i et poetisk univers der gallerirommet er rammen rundt en helhetlig installasjon. Hovedelementene i installasjonen er en stor mengde kvister, greiner og stammer som er påført et tynt lag med rødt fløyelsstøv, nesten som et tynt lag med nysnø.

Borghild Rudjord Unneland er opptatt av det paradoksale i sine arbeider; ting som kan være kjent og fremmed på samme tid. Hun arbeider med undersøkelse av materialer, overflater, detaljer og de assosiasjonene disse kan skape. Ved å sette sammen uventede og ulogiske materialer, manipulere overflater og plassere uventede detaljer ønsker hun å skape nye tankerekker.

“Jeg tror det er grunnleggende menneskelig å forsøke å skape sammenhenger. At det er ved å skape sammenhenger vi ser oss selv, hverandre og verden.”

Utstillingen Alt venter er en hyllest til det underlige, det lekne, til naturen, til kroppen, og til minnene, men mest av alt til det paradoksale i livet; til det som ikke er enten eller, men som er begge deler.

Borghild Rudjord Unneland (født 1978 i Oslo) bor og arbeider i Bergen. Hun har sin utdannelse fra Kunsthøgskolen i Bergen og har etter endt hovedfag i 2003 vært en svært synlig og aktiv utstiller, bla. på en rekke norske kunstsentere og gallerier, senest på Akershus Kunstsenter i 2009, samt Vestlandsutstillingen, 100% Design i London, Norsk Textiltriennal i Gøteborg for å nevne noen. Unneland har også laget flere utsmykkinger, bla til Haraldsplass sykehus kapell og Kleppestø Helsetun.

Støttet av Norsk kulturråd.

Pressekontakt: Karianne Sand, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Alt venter – Borghild R. Unneland
Borghild Rudjord Unnelands kunst er preget av en stille, men potent poesi. Arbeidene har den kvalitet at vi ved synet av noen få verk kan få følelsen av å ha kommet i berøring med et helt univers. Enten det er snakk om hårfletter voksende ut av trær og bøker eller små dyrefigurer plassert i sukkerskåler, på smørfat og lignende, så synes de hele tiden å lede videre mot et enda større verk. Det er noe gjennomgripende og dyptfølt ved de tilsynelatende enkle og kanskje til og med forsiktige arbeidene. Ofte kan de ta utgangspunkt i hverdagslige gjenstander: duker, klær, hårbørster, barneleker, men disse har gjerne gjennomgått en forskjønnelse og kanskje til og med en abstraksjon. Dette er en kunstner som kan påføre flodhestfigurer ballettskjørt eller dekke sauen med strikketøy av sin egen ull. Og selv om dette vitner om lekenhet og humor, forteller det kanskje enda mer om en kunstner som kjenner en spesiell kjærlighet for sine omgivelser. Uttrykk for empati, innlevelse og ikke minst omsorg, går som en rød tråd gjennom Borghild Rudjord Unnelands kunst (eller jeg burde kanskje si røde greiner). Og det er nettopp i denne dels forskjønnende, dels abstraherende omsorgen, at gjenstandene vokser ut av det hverdagslige og inn i noe som kan kjennes både eventyrlig og overskridende. Et eget univers. Et magisk rom. Ut av feiekosten vokser fyldig menneskehår der børsten skulle ha vært, ut av den veltede kaffekoppen størkner en flekk til en gressfull tekstil med et lite tre på, og statuene i parken som du passerer hver dag på vei til jobb har plutselig fått strikkelue og votter – Det er som om vi har snudd oss vekk et øyeblikk, og så har noen ved et trylleslag forvandlet verdenen vi lever i.

Mer sobert betraktet, kan vi se en metode som blant annet går ut på å føye sammen kontrastrike materialer, slik at det oppstår nye sammenhenger og betydninger. Verkene blir da en slags transportgjenstander, som åpner sansene og kobler oss på en mer følsom virkelighet. Så er tilfellet når greiner blir trukket i blodrød fløyel og lagt i stabler, som om de tilhører et demontert kjempehjerte. Det er som om gjenstandene hele tiden søker ut av den materielle grunntilstanden, for å nå en sammenheng som er større enn seg selv. Derfor er det ikke hva verkene representerer i sin materielle tilstand, hva vi faktisk ser, men like mye hva vi kan se og hva de kan representere. Jeg vil driste meg til å si at arbeidenes fulle potensiale ligger bortenfor det utstilte, altså ikke i hva de er, men i hva det hele tiden er i ferd med å bli. Og det er for så vidt en fristende tanke at når vi forlater dette rommet, når mørket faller på og byen tømmes for folk, så fortsetter greinene og håret å vokse…

Jeg må også legge til, rent subjektivt, at blant dagens mange bråironiske og ofte engelsktittulerte kunstverk, så fremstår Borghild Rudjord Unnelands følsomme arbeider som kledelig beskjedne. Men nettopp fordi de bærer en slags troskyldighet, er deres alvor ofte en overraskelse. Hår som vokser der det ikke skal er også ekkelt. Blodrød fløyel er også skremmende. For ikke å glemme de teppeintullede kroppene eller den stramme snoren som holder teppet til benken. Det er noe strengt og alvorlig ved dette. Det er som om det må beskyttes fra noe farlig. En kan derfor like mye spørre: hva har gjenstandene vært igjennom, hva har de opplevd før de søkte sin forvandling og abstraksjon? Slik får barneleker og hårrester en plutselig, mørk virkning. Rent estetisk kjennes dette nødvendig blant annet for å overstige det pene og pyntelige. Og innholdsmessig gir det verkene en ladet spenning. Og dette får bli min siste påstand: at møtet med Borghild Rudjord Unnelands kunst for meg ikke bare er en behagelig opplevelse, men noe jeg ikke helt kan sette fingeren på, som å møte noen som bærer en hemmelighet på tunga.

Pål Gitmark Eriksen (forfatter)

Borghild Rudjord Unneland

Fotograf Anders Rubing

Borghild Rudjord Unneland

Fotograf Anders Rubing

Borghild Rudjord Unneland

Fotograf Anders Rubing

Borghild Rudjord Unneland

Fotograf Anders Rubing

Borghild Rudjord Unneland

Fotograf Anders Rubing


Soft Technology

31. mars - 1. mai 2011

Velkommen til åpning torsdag 31. mars 2011

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning av utstillingen Soft Technology torsdag 31. mars kl 19.

Utstillingen åpnes av Hilde Hauan Johnsen, professor ved Kunsthøgskolen i Bergen, seksjon for tekstil og Hillevi Munthe, billedkunstner og prosjektleder for Soft Technology.

Det blir konsert i galleriet søndag 3. april kl. 17. Velkommen!

Atelier Nord arrangerer åpen workshop 3. april. Meld deg på: http://www.ateliernord.no

Om prosjektet Soft Technology
Soft Technology er et grunnforskningsprosjekt på tekstil elektronikk i kunstnerisk sammenheng på Atelier Nord i Oslo og Kunsthøgskolen i Bergen. I løpet av fire workshops i 2010 har vi eksperimentert med tekstile strømførende materialer, tekstile sensorer, tekstile materialer med formhukommelse og mikrokontrolleren Arduino Lilypad som er spesielt utviklet for tekstile elektroniske kretser. I 2012 fortsetter prosjektet med videre utforskning av materialer med formhukommelse og tekstile energibanker som kan lagre og omforme energi fra fysisk bevegelse og solenergi til elektrisitet.

Utstillingen på SOFT galleri viser arbeider som bruker smarte materialer, e-tekstil og tradisjonell elektronikk som utgangspunkt i verksutviklingen. Arbeidene har ulik innfallsvinkel til materialiteten og forteller ulike historier. Likevel knyttes de sammen av en søken etter å gi det ustabile, ukjente og uforutsigbare en form og visualitet, både i innhold og i materialitet.

Om verkene i utstillingen (Alle bilder: Nina Toft)
Kristina Aas – Leftovers
Leftovers inviterer publikum til en symbolsk bordsetting. Når man nærmer seg det dekkede bordet, forsvinner oppdekkingen gradvis og bare knapt synlige rester av måltidet er synlige.
Kristina Aas avslutter sin MA i tekstil på Kunsthøgskolen i Bergen i 2011, og har deltatt på flere utstillinger i Norge og Litauen.

Celine Marcq – Inconspicuous Matter
Inconspicuous Matter viser hvordan elektrisitet har en fysisk tilstedeværelse ved å visualisere hvordan den beveger seg i våre omgivelser. Elektro-reaktive materialer utviklet av kunstneren skaper fargeforandring i tekstile veggpaneler ettersom elektrisk energi beveger seg gjennom materialet.
Celine Marcq er utdannet ved Central Saint Martin College of Art and Design i London og arbeider som materialdesigner og forsker.

Ricardo Nascimento – E-ansã
E-ansã kommer fra Iansan, en åndelig guddom fra den afro-brasilianske religionen Candomblé. Iansan er har makt over vinden, orkaner og stormer. E-ansã er en kjole av bånd som opprinnelig fungerte som religiøse talismaner for brasilianske kristne. Når mobiltelefoner kommer nær kjolen, blåser E-ansãs vinder liv i båndene. Religion, usynlige krefter, tradisjon og teknologi er blandet i denne installasjonen som skaper bevissthet om elektronisk forurensing. Kanskje har den moderne Iansan også makt over elektromagnetiske felt?
Ricardo O’Nascimento er kunstner og forsker innen media- og interaktiv kunst. Han undersøker relasjoner mellom kropp og omgivelser.

Hillevi Munthe – Laminaria
Laminaria har organiske og rytmiske bevegelser som oppleves som en kroppslig tilstedeværelse. Som en tangskog har arbeidet et frittstående og stillferdig men likevel monumentalt liv.
Hillevi Munthe er kunsthistoriker og tekstilkunstner. Hun er også prosjektleder for Soft Technology.

Meld deg på workshop m/ konsert med Syntjuntan sønd 3. april kl 11

Sy din egen myke synthesizer med nål og tråd!

I forbindelse med åpning av utstillingen Soft Technology på SOFT galleri, inviterer vi til workshop med Syntjuntan der deltagerne blir introdusert for eksperimentell musikk og elektroniske tekstiler. I løpet av en dag lærer du å sy din egen syntesizer med enkle verktøy som nål og strømførende tråd. Ingen forkunnskap er nødvendig! Workshopen avsluttes med en konsert på SOFT galleri den 3.april kl 17
For mer informasjon og påmelding: http://www.ateliernord.no

Soft Technology er produsert av Atelier Nord

Pressekontakt: Karianne Sand, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Soft Technology

Kristina Aas – Leftovers

Soft Technology

Celine Marcq – Inconspicuous Matter

Soft Technology

Ricardo Nascimento – E-ansã

Soft Technology

Hillevi Munthe – Laminaria


Ingunn Bakke
Fargelag, fargelagt

24. februar - 27. mars 2011

Velkommen til åpning torsdag 24. februar kl. 19.00

Kunstformidler Hildegunn Guddal Svensson presenterer kunstnaren og utstillinga.

Med Fargelag, fargelagt viser galleriet nye arbeid av tekstilkunstnar Ingunn Bakke.
Bakke har alltid vore fascinert av fargekart – og ikkje berre fargane, men det grafiske oppsettet, med ordna mønster av kvadrat eller rektanglar. Men det er først nå ho lar interessen få kunstnarisk uttrykk – ein ikkje unaturleg trong, sia ho hovudsakleg har jobba med kvitfargar i mange år. Bakke er av dei første her til lands som bruker digital trykkteknikk i tekstilkunst. Det ho viser her er òg del av ei samanhengande utforsking av kva det digitale kan tilføre denne tradisjonelt handverksprega kunstgreina.

Kart gir menneske ein måte å orientere seg på, kvadratet som urform uttrykkjer ein grunnleggande orden i verden. Tittelverket på utstillinga er ein veggtekstil i stort format (2,5 x 4,4 m), digitalt trykk på silkesateng. Her har Bakke bygt ulikt utforma fargekart, lagt dei på kvarandre, og gjennom bruk av repetisjon/variasjon har ho arbeidt mot å få fargane til å fungere harmonisk. I overlappinga oppstår det på same tid tilfeldige konstellasjonar av fargar. Til utstillinga har dessutan Annabeth Kolstø designa ein kjole i dette stoffet.

Ingunn Bakke (f.1966, Heidal) bur og arbeider i Oslo. Utdanninga har ho frå Institutt for tekstil ved Statens håndverk- og kunstindustriskole. Ho har stilt ut separat m.a. på Hå gamle prestegard, Kunstbanken Hedmark Kunstsenter, Akershus Kunstsenter og Galleri Format, og vore med på ei rad gruppeutstillingar, m.a. på Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, og Nasjonalmuseet/Kunstindustrimuseet, Oslo. Innkjøpt: Nasjonalmuseet/Kunstindustrimuseet i Oslo, Sogn og Fjordane Kunstmuseum og Vestlandske Kunstindustrimuseum.

Pressekontakt: Karianne Sand, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 478 17 770

Ingunn BakkeIngunn BakkeIngunn BakkeIngunn Bakke


Sandra Norrbin
Trädens längtan efter storm

13. januar - 13. februar 2011

Velkomen til åpning torsdag 13, januar kl. 19.00

SOFT galleri starter utstillingsåret 2011 med et nytt prosjekt av Sandra Norrbin. Hennes stedsspesifikke og skulpturelle installasjoner har tidligere høstet stor oppmerksomhet i måten ide, rom og materialitet forenes. Tematisk kretser hennes prosjekter omkring spørsmål og problemstillinger knyttet til de kretsløp utvalgte materialer og objekter inngår i. Samtidig omhandler arbeidene balansen mellom konstruktive og destruktive elementer, sett i relasjon til en øvrige samfunnsrelatert kontekst. Ved SOFT galleri vil Norrbin arbeide frem et nytt stedsrelatert prosjekt med utgangspunkt i papir.

Norrbin er interessert i materialets historie og iboende kvaliteter og ser forbi dets funksjon. Verket kan ses som et frosset øyeblikk i en prosess som når som helst kan fortsette. Motstridende krefter kjemper mot hverandre og gir et umiddelbart og vitalt uttrykk, som et bilde på en materialisert indre konflikt. Installasjonen kan oppfattes som et symbol på alt det negative som hindrer en i å komme videre. Disse hindringene kan likevel være en nødvendig forutsetning for det som skal skje. Noen ganger må det til en storm for å komme videre. Verket handler også om å gjøre seg tom, og søke et slags nullpunkt.

Sandra Norrbin (f.1976, Vadstena, Sverige) bor og arbeider i Oslo. Hun er utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim og ved Academy of Fine Arts in Cracow, Polen. Hun har hatt separatutstillinger ved bl.a. Lautom Contemporary, Oslo, Galleri Verkligheten, Umeå, Supernova, Riga og Trøndelag Senter for Samtidskunst, Trondheim. Hun har deltatt i en rekke gruppeutstillinger i Norge og internasjonalt, samt stått for flere offentlige utsmykninger.

Tittelen er inspirert av Edith Södergrans dikt “Färgernas längtan”, fra Dikter (1916)

Utstillingen er støttet av Norske Skog Follum og Ramirent.

Pressekontakt: Karianne Sand, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Sandra NorrbinSandra NorrbinSandra Norrbin


Annika Ekdahl
Road Movie (verdure): Visiting Mom

Utstillingsperiode: 25. november - 2. januar

Åpning torsdag 25. november kl. 19.00.

SOFT galleri ønsker velkommen til åpning av Annika Ekdahls utstilling torsdag 25. november kl. 19.00. Vi har gleden av å presentere et nytt, monumentalt billedteppe som ikke tidligere har vært vist. En flerårig og svært tidkrevende arbeidsprosess er dermed ferdigstilt, og arbeidet er klart for visning for det norske publikum. 

Utstillingen åpnes av den australske tekstilkunstneren Brett Alexander. 

Ekdahl er internasjonalt kjent for sine monumentale, fargesterke og teknisk detaljerte billedtepper. Senest så vi de komplekse vevnadene presentert i Norge under hennes store separatutstilling ved Haugar Vestfold Kunstmuseum i Tønsberg i 2008. 

Arbeidet Road Movie (verdure): Visiting Mom er inspirert av den tradisjonstunge gruppen billedtepper fra 1500-tallet, benevnt som “verdurer”, som fremstiller en verdensanskuelse rik på vegetasjon og fantasidyr. I Ekdahls seneste arbeid er nevnte billedspråk anvendt for første gang. Innholdsmessig omhandler verket universelle temaer relatert til forgjengelighet og død. 

I sine arbeider er Ekdahl opptatt av å undersøke billedvevteknikkens muligheter. Hun har et nært forhold til de europeiske billedvevtradisjonene og viderefører, eller sågar videreforedler, den fasineredne arven gjennom egne prosjekter. Ekdahl lar seg inspirere av hvordan man for flere hundre år siden på en så overbevisende måte kunne utrykke det som var viktig, verdifullt og vakkert via det todimensjonale billedspråket. 

Annika Ekdahl (f.1955, Stockholm) bor i Blekinge, Sverige. Hun er utdannet ved Universitetet i Gøteborg, Avdeling for design og kunsthåndverk, og har siden 1980 deltatt på en rekke separat- og gruppeutstillinger i Sverige og internasjonalt. Ekdahl har mottatt flere priser, som bl.a. førstepris i utstillingen “The 3rd European Textile and Fibre Triennial” i Riga, Latvia i 2007, og har stått for flere utsmykninger i offentlig rom. Ekdahl er professor i tekstil ved Universitetet i Gøteborg. 

Utstillingsperiode:  25. november - 2. januar. 
P.S. Vi gjør oppmerksom på at galleriet holder stengt i perioden 24. desember - 2. januar, men at utstillingen likevel kan ses fra gateplan via vårt store utstillingsvindu.

Pressekontakt: Janicke Iversen, .(JavaScript must be enabled to view this email address), 47481770

Annika EkdahlAnnika EkdahlAnnika Ekdahl